Das Tak und die fliegende Trommel

Die Traumausstatter begeistern Klein und Groß mit der Geschichte des kleinen Tak, das auf Reisen geht, um Klänge zu sammeln. Dabei trifft es Menschen, die seinen Reisesack mit ihrer Musik und wundersamen Rhythmen füllen. Als Gast des Ensembles spannt Ro Kuijpers einen Bogen über das Spektrum von Rhythmus und Perkussion.

Das Publikum begleitet das Tak auf seiner musikalischen Reise durch lebhaftes Mitwirken, Mitklopfen und Mitklatschen. So gestaltet sich sein Abenteuer zu einem musikalischen Lehrspiel zum Hören der Klangfarben und zum Erleben des eigenen Rhythmusgefühls.

"Das Tak und die fliegende Trommel" ist eine phantasievolle Reise rund um die Welt der Rhythmen und der Musik.

 

Die Traumausstatter:
Susanne Lotz – Erzählerin, Akkordeon
Ingrid Kloos – Steeldrum, Perkussion
Ekkehard Seeger – Gitarre

Gast: Ro Kuijpers – Perkussion

Dieter Baumann, läuft halt. (weil singen kann er nicht)

Ja klar, werden Sie sagen. Was sonst, soll Dieter Baumann auch machen. Außer vielleicht noch witzige Geschichten erzählen. Doch diesmal macht er beides, er erzählt beim Laufen – auf einem Laufband. Auf der Bühne so noch nie dagewesen!

Zunächst scheint es um einen 100 Kilometer Lauf zu gehen, genauer, zu laufen. Aber schnell wird klar, es geht Dieter Baumann um mehr. Frei nach dem Roman „die Einsamkeit des Langstreckenläufers“: „...dass ein jeder solcher Lauf ein Leben für sich ist – ein kleines Leben, ... aber ein Leben voller Elend und Glück und voller Ereignisse.“

Richtig, so ist das Laufen. Voller Ereignisse, voller Glück und manchmal auch voller Elend. Und genau so ist auch dieser Abend auf der Bühne. Erleben Sie Dieter Baumann, selbstironisch, witzig, gestenreich, und ja, er tanzt sogar, an Stellen, an denen es scheinbar nichts zu tanzen gibt und vor allem: Baumann – läuft!

Wenn Hummeln bummeln- eine Geschichte über das Anderssein

Da ist ein Hummelforscher auf einer Blumenwiese, mit einem Zelt und einem Fernglas. Und da ist die langsamste Hummel der Welt, die versucht endlich auch mal die Erste an der Blumenwiese zu sein. Sie fliegt ins Abenteuer und begegnet der Nacht, ihrer Angst und fremden Tieren. Ein Flug, der alles verändert.

Der australische Clown Julian Bell erzählt facettenreich eine Geschichte vom Mut sich das Unmögliche zu trauen, neuen Freundinnen und Freunden und dem großen Schatz der Vielfalt.

Ein mobiles Theaterstück für Alle ab 5 Jahre.

Spiel: Julian Bell
Regie und Text: Jasminka Wrobel
Musik: TanteFia
Dramaturgie: Pauline Sprang

Metronomy

Schon ihr Debütalbum „Pip Paine (Pay The £5000 You Owe)“, der bereits 1999 vom damals erst 16jährigen Joseph Mount gegründeten Metronomy, ließ beim Erscheinen aufhorchen. Mit dem Nachfolger „The Night“ stiegen Metronomy in die erste Liga britischer Bands auf und mit Album Nummer Drei, „The English Riviera“, schafften Metronomy dann auch den kommerziellen Durchbruch: ein großartiges Werk voller lässiger, tanzbarer „sunset funky songs“ mit den immer noch in auf jedem Dancefloor gerne gespielten Singles „She Wants“, „The Look“ oder „The Bay“.

Parallel zu den eigenen Veröffentlichungen machte sich Mount zudem einen Namen als Remixer und DJ. Mit dem im Frühjahr erschienen vierten Werk „Love Letters“ setzen sich Metronomy erneut die Krone auf. Beeinflusst von der Funk- und Soul-Legende Sly & The Family Stone, The Zombies und der Geburt seines Kindes, so Sänger Joseph Mount, ist das eine hübsche Melange geworden. Nicht nur die Singles „I‘m Aquarius“ und „Love Letters“ mit ihrer Mischung aus coolem Groove und einer Prise melancholischem Pop stechen heraus. Die Presse reagierte begeistert und nicht nur der „Musikexpress“ war entzückt und kürte das Werk zum „Album des Monats“: „Joe Mount führt uns von der Küste ins All und fordert mit Spielfreude und Charme dazu auf, einer der besten Pop-Bands dieser Tage einen Liebesbrief zu schreiben.“ Und die gerne mal kritische „taz“ stellt fest: „Postpostmoderne Popmusik könnte sich keine bessere Band als Metronomy erfinden.“ Doch nicht nur im Studio fühlen sich die Briten zuhause, auch live begeistern Metronomy, wie sie mit fantastischen Konzerten in ausverkauften Hallen und auf den großen Festivalbühnen bewiesen haben.

Neben Joseph Mount und Oscar Cash wird die Band durch Drummerin Anna Prior und Bassist Gbenga Adelekan zum Quartett vervollständigt. Dazu Joseph Mount: „Es hat ein bisschen gedauert, aber jetzt sind wir endlich so weit, dass wir keine Backing Tracks oder Ähnliches benutzen, es wird alles komplett selbst gespielt und ist somit natürlich viel spektakulärer.“ Metronomy entfesseln das Groove-Monster und stehen verwandten Acts wie LCD Soundsystem oder den Talking Heads zu ihren besten Zeiten in nichts nach: selten hat man derartig viel nackte Euphorie in verschwitzten Gesichtern gesehen!

Roosevelt

Roosevelt meldet sich mit einer neuen Single zurück und kurbelt damit kräftig die Vorfreude auf sein neues Album an. Für „Young Romance”, so der Titel der Platte, die am 28. September 2018 erscheint, reiste Marius Lauber dahin, wo die Sonne fast nie untergeht: nach Kalifornien. Dort feilte er weiter an seinen Demos und mixte das Album gemeinsam mit Chris Coady (Beach House, Grizzly Bear, TV On The Radio). Aus dem Neonlicht im Club zog es ihn also heraus ans Tageslicht. „Under The Sun” heißt dann auch programmatisch der Sommerhit, den die WM nicht verhindern konnte.

Kurz nach der Album Veröffentlichung schicken wir Roosevelt dann endlich wieder auf Tour! Vier Dates in Deutschland und zwei Shows in Wien und Salzburg wird Marius im deutschsprachigen Raum spielen. Zusätzlich gibt es natürlich noch zahlreiche Shows in Europa.

Es ist eigentlich unglaublich was der 27-jährige Kölner in den letzten zwei Jahren geschafft hat. Am 19.08.2016 erschien das Debütalbum namens “Roosevelt”, landete auf Anhieb in den Top 100 der offiziellen deutschen Album-Charts und gilt als eines der wichtigsten neuen Pop-Alben der deutschen Musikszene und eines der wenigen hiesigen Alben, die auch international für Aufsehen sorgte. "Er hat das Potenzial, um die Welt zu gehen“ attestierte ihm der Spiegel und das tat er dann auch.

Mit diesem Album gelang es Roosevelt auch den schweren US-Markt zu knacken, ebenso wie UK, Frankreich, Holland und Italien. Die Festivals weltweit reißen sich um ihn: Primavera Sound, The Governors Ball Music Festival (New York), Sónar Festival, Montreux Jazz Festival, Sziget Festival, Lollapalooza Festival, etc. Radiostationen im In- und Ausland spielen “Fever” und “Moving On” hoch und runter. Seine Hörer treiben ihn bei Spotify auf knapp 80 Millionen Streams. Alle wollen von ihm geremixt werden (Chvrches, Glass Animals, RHYE, Who Made Who, Blossoms und Sinkane) Aber was macht er? Nimmt eine Coverversion von „Teardrops” auf und wird nachträglich von der Womack & Womack Familie zum Ehrenmitglied gemacht.

Man stelle sich diese Szenerie vor: ein Spätsommerabend, die Grillen zirpen ihr Lied, die nackten Füße sind fest in die Erde gepflanzt, die Pappeln wiegen sich sanft im Wind und der Gestank ist unerträglich. 

Der kreative Unruhestifter Manuel Gagneux kehrt mit einer brandneuen Zeal & Ardor-Single zurück. Der Song „Gravediggers Chant“ dient als Vorzeichen dafür, was in seinem kommenden zweiten Zeal & Ardor-Album „Stranger Fruit“ erwartet werden kann. Mit seinem eindringlichen Refrain von „bring the dead body down“, nimmt der Song die Zuhörer auf die letzte Reise einer Person mit. Manuel intoniert: „Der Gesang des Totengräbers ist das Lied, das von den Leuten gesungen wird, die deinen Körper zur Ruhe legen. Diese Leute interessieren sich nicht dafür, wo du warst, aber sie wissen, was du getan hast und wer dich geliebt hat Also singen sie dieses Lied, da man keine Note mehr atmen kann.“

Der Mix aus Blues, Gospel und Soul mit herber Musik hat Gagneux eine Welt voller Möglichkeiten eröffnet. Das immense Interesse und der kritische Zuspruch, den Zeal & Ardor nach der Veröffentlichung des Debütalbums „Devil Is Fine“ schafften, führte dazu, dass das Projekt zu einer vollwertigen, international aufstrebenden Band wurde. Nach Monaten, in denen er die neuen Songs für „Stranger Fruit“ bearbeitete, betrat Gagneux zusammen mit dem Produzenten Zebo Adam und dem Mixer Kurt Ballou (Converge, Kvelertak, Nails) das Studio. Der fertige Sound ist zwar umfangreicher und schwerer, aber dennoch unverkennbar Zeal & Ardor.

Die abwechslungsreichen, aber doch zusammenhängenden 16 Tracks von „Stranger Fruit“ sollen den Hörer dazu ermutigen, etwas tiefer zu graben und die eigene Bedeutung in seinen Worten zu finden. Im Gegensatz zu der ersten LP „Devil Is Fine“ sind diese Songs bewusst dazu gedacht, sich sowohl inhaltlich als auch musikalisch auszuspielen.

Während die Platte mit berechtigter Wut kocht, ist ihr weiterreichendes Ziel die Vereinheitlichung, nicht die Spaltung und das Handeln, nicht die Trägheit. Elemente einer düsteren Melancholie werden durch Hoffnung gemildert. Oberflächlich erzählt das Album kleine isolierte Geschichten, aber es gibt auch Hinweise auf Goetia, Yoruba und obskure geheimnisvolle Literatur und Geschichte.

Die kleine Fiesta

Enrique Ugarte (Akk.), Robert Neumann (Klavier), Gerry Ache & Raphael Kofi & Ro Kuijpers (perc.), Viva Voce (A-cappella), Twiolins; special guest: Helge Schneider.

Philharmonisches Orchester Freiburg, Ltg. Enrique Ugarte; Helge Schneider (ZMF Ehrenpreisträger 2019), Robert Neumann (Klavier, ZMF Preisträger 2019); Viva Voce (A-capella); Ro Kuijpers (perc.), Heim und Fluchtorchester Freiburg; Raphael Kofi (perc.), Pape Dieye (voc.); Werner Englert (sax.); Roberto Koch (b.); Frederik Heisler (dr.); Florian Favre (p.); Gerry Achee (perc.); Sprecher:Clemens Salm & N.N.

Die diesjährige Philharmonische ZMF Gala wird das Freiburger Philharmonische Orchester erneut vielfältig herausfordern.

Mit Helge Schneider und der Magnetfamily wird Chick Coreas „La Fiesta“ virtuos, rhythmisch und vital dargeboten, gespickt mit großartigen Improvisations-Überraschungen des Multiinstrumentalisten Helge Schneider und dem fabelhaften begleitenden Jazztrio der Magnetfamily.

Auch das Heim und Fluchtorchester unter Gründer Ro Kuijpers wird allein und dann erstmals mit den Philharmonikern beim ZMF zu erleben sein. Wieder als Gast mit dabei ist der Rastafestivalleiter und Perkussionist Gerry Achee aus Trinidad.

Es folgt ein Afrikaprojekt von Perkussionist Raphael Kofi aus Ghana und Multiinstrumentalist Pape Dieye aus dem Senegal. Dieses wird in der lebhaften Orchestrierung des ZMF Preisträgers von 1997, Saxophonist Werner Englert, das bieten, was der Titel verspricht: „Hi life – Faale“.

Die Orchesterarrangements von Enrique Ugarte für das mitreißende A-cappella Ensemble Viva Voce sind derzeit in deutschen Konzertsälen philharmonische Hits. Bereits vor Jahren konnte Viva Voce das ausverkaufte A-cappella Zirkuszelt begeistern.

Schließlich ist noch auf Robert Neumann hinzuweisen, ein absolutes Ausnahmetalent des klassischen Klavier Metiers. Wenn das Publikum an diesem Abend mit der Dante-Sonate von Franz Liszt in der hinreißenden Interpretation dieses derzeit noch 17-jährigen Elza Kolodin Meisterschülers konfrontiert wird, dann wird jeder verstehen, warum der derzeitige „Rising Star der Europäischen Konzerthäuser“ den ZMF Preis 2019 so zu Recht erhält.

Helge Schneider, die Galaintendanz als auch alle Musiker insbesondere Gerry Achee wollen diesen Abend „einem der drei besten Jazz-Klarinettisten aller Zeiten“ (Süddeutsche Zeitung, Dez. 2018), dem unvergessenen am 02.12.18 verstorbenen Perry Robinson widmen. Auch diese Gala 2019 veranstaltet vom Förderkreis Freiburger Musikfestival e.V. soll das vom Verein seit Jahrzehnten betriebene Kulturengagement auch weiterhin am Leben erhalten.

Veranstalter: Förderkreis Freiburger Musikfestival e.V.,

Konzept und Gestaltung: Alexander Heisler, ZMF-Gründer und Gesellschafter

Curtis Harding kommt aus Michigan, schon als Kind singt er im Gospelchor und spielt Schlagzeug. Später zieht er nach Atlanta und gründet eine Rap-Gruppe. Dort lernt er das Hip-Hop-Duo Outkast kennen, deren Songs er remixt. Für Cee-Lo Green arbeitet er als Background-Sänger und Songwriter, außerdem spielt er in einer Punkband. Als er mit seinem Debütalbum "Soul Power" 2015 endlich den Durchbruch schafft, hat er also schon einen beachtlichen Weg hinter sich. Der Rolling Stone schrieb damals: „Vom Backgroundsänger zur neuen Soul Hoffnung: Ein großes Debüt.“

War das Debüt "Soul Power" noch merklich vom Garagenrock geprägt, geht es auf "Face your fear" deutlich psychedelischer zu. Eine klare, gradlinige Produktion lässt die Stücke strahlen und gibt ihnen einen einheitlichen Sound. Mithilfe von Produzentenlegende Danger Mouse und Sam Cohen hat Curtis Harding seine vormals noch ungeschliffenen Songs auf die nächste Stufe gehoben.

Fotogena Tour 2019

Wie wichtig jemand ist, merkt man oft erst, wenn er dann fehlt. In diesem Sinne: Viel zu lange nichts mehr von Laing gehört. Doch alles Warten hat ein Ende, die Berliner Band um Songschreiberin Nicola Rost veröffentlicht ihr drittes Album. Fans von smarter Pop-Poesie atmen auf, ein neuer Sherriff ist in der Stadt. Jetzt knallt’s wieder.

„Tut mir leid, wenn’s manchmal schlecht übersetzt ist / aber mein Herz ist des Deutschen nicht mächtig“ (Laing, 2018).

Als Laing Anfang 2013 mit ihrem Debüt-Album „Paradies Naiv“ inklusive der Single „Morgens immer müde“ nicht nur auf der Bildfläche, sondern auch in den Top Ten der Charts auftauchten, sah Pop mit deutschen Texten besser aus denn je. Das geschmeidig widerspenstige Kollektiv führte muttersprachliche Lyrics auf‘s nächste Level. So gestaunt und getanzt wurde selten bei einem Erstlingswerk. Ein Jahr und ein bisschen später dann bereits das Nachfolgewerk, Laing „Wechselt die Beleuchtung“. Alles klar, so konnte es weitergehen. Tat es aber nicht.

Die Band der Produzentin und Songwriterin Nicola Rost brauchte eine Pause. Denn die Alternative wäre gewesen: Wie viele andere bloß noch Pop-Dienstleister ihrer selbst zu werden, Machen, Tun und Liefern. Für tatsächlich kreative Künstler kein guter Zustand. Give me a break, Musikindustrie! Irgendwie stellte sich in Laings Abwesenheit aber auch ein allgemeiner Kater ein. Aus der neuen Lust, auf Deutsch zu texten, war ein amtlicher Hype geworden. Die Songs wurden mehr – und immer egaler. Wie sehr das „Menschen Leben Tanzen Welt“-Gulasch alle Kanäle verstopft, merkt man aber erst, wenn Laings dritte Platte „Fotogena“ sie endlich wieder freispült.

Man muss wirklich kein Sprach-Nerd sein, um die neuen Stücke zu genießen. Jedes Wortspiel triggert dich, man will es sich merken, am besten gleich notieren oder es unbedingt abends auf dem Mäuerchen den Anderen weitererzählen. Wenn Rost den notorischen Selfie- Flashmob unserer Zeit auf lauter kleine „Fotogenas“ und „Fotogenos“ runterbricht, erreicht Pop seine Meisterschaft: Er kann gleichsam verweisreich durch die Historie gleiten - bis hin zu Mozarts „Zauberflöte“, und trotzdem ganz im Jetzt verwurzelt bleiben. Das Märchenhafte, das Glamouröse, das Irrwitzige mit dem Konkreten verknüpfen, hier liegt die große Stärke dieser Pop-Chansons. Der Trend dagegen, aus Pop eine Art horoskop-besoffenes Lebenshilfe-Blabla zu machen, kriegt hier endlich mal eine aufs Maul. Zeit wurde es.

Ein Song wie beispielsweise „Du bist dir nicht mehr sicher“ erzählt in samtig gruseliger Beiläufigkeit, wie die ganz große Liebe nach einiger Zeit im Alltag und mitunter im Nichts aufgeht - ohne dass es einem so wirklich bewusst wurde. In diesen bittersüßen Zeilen steckt mehr Kraft und Erkennen als in den ganzen „Du schaffst das“- und „Glaub an dich“-Lyrics der jüngsten Zeit.

Das von Nicola Rost produzierte „Fotogena“ untermauert dabei gerade auch musikalisch den Ausnahmestatus von Laing. Es ist vielschichtiger Pop von großer Klarheit. Smoothe Elemente in bestechender Eleganz wechseln sich mit tanzbaren Sounds ab. Mehr denn je besitzen letztere auch eine Anmutung von R’n’B. So wirkt dieses Album in all seiner verschmitzten, deutschen Romantik sehr international - ein Umstand, der seinen Peak in dem Stück „Ich auf Whatsapp“ findet.

Angriffslust, Textvergnügen, Spielfreude – all das findet sich auf dieser Platte versammelt. Doch dafür gebührt auch noch einem anderen Projekt Respekt... Denn fast zeitgleich zu „Fotogena“ kommt der Film „Safari“ (Ratpack Filmproduktion) in die Kinos. Regisseur Rudi Gaul engagiert Rost für den Soundtrack, sehr guter Move. Diese Aufgabe überwand nämlich die ausgeuferte Findungsphase von Laing nach „Mit wechselnder Beleuchtung“ – und bereitete so den Weg zu diesem neuen, eigenen Album. Laing mischen wieder mit, genau rechtzeitig. Für den mehrstimmigen Gesang sorgen neben Nicola Rost noch Johanna Marschall und Josefine Werner, ebenfalls zur festen Crew gehört die Tänzerin Marisa Akeny. Bühnenshow und Live-Bedingungen? Nur her damit! Denn wer diese Band kennt, weiß, welcher Schwerpunkt auf die Performance gelegt wird. Einfach seine Songs abspulen ist woanders, aber auf keinen Fall hier. Die Tour startet Januar 2019. Pop-Poesie auf Zucker – und mit Pfefferspray in der Handtasche. Willkommen zurück!

Wenn du gestresst vom Alltag bist, dein Kopf permanent redet und sich die negativen Gedanken in Endlosschleife befinden, dann ist es allerhöchste Zeit, den Mittelfinger hochzuheben und zu sagen: „Fick dich Negativität! Einfach mal die Fresse halten, lieber Kopf! Ich bin der Chef.“

Ab in die Natur, all die Action zur Seite schieben und sich darüber klar werden, dass die ganze Jagd nach Geld und Status in der Bedeutungslosigkeit verschwindet, wenn man sie mit der Schönheit der Natur und dem Wunder schlichten Seins vergleicht. Einatmen, ausatmen. Manchmal muss man diesen Schritt zurück machen, um den Blick fürs Ganze zu schärfen – dann sieht der Berg auch nicht mehr so groß aus.

Und wenn selbst das nicht hilft, dann hilft nur noch eins: GReeeN.

Es besteht durchaus die Möglichkeit, dass der geneigte Leser beim ersten Anblick des Namens GReeeN die Augen verdreht und „noch ein Berliner Kiffer“ in die Welt stoßseufzt.

Aber das wäre falsch.

Falsch, was den Hintergrund und die Herkunft von GReeeN angeht, falsch, was die Bedeutung des Namens angeht und falsch, weil man konditionierungsbedingten Vorurteilen nicht nachgeben sollte. Check your head.

Für den 29-jährigen Mannheimer Pasquale Denefleh, der sich hinter dem Pseudonym GReeeN verbirgt, stecken viel alteingesessenere Dinge hinter der Namensgebung. Grüne Ampeln zum Beispiel. Oder Dinge im grünen Bereich. Grün ist die Farbe der Hoffnung, in der Lehre der Farbtherapien ist Grün die reine Beruhigung. Grün steht für die Natur – und nein, da geht es nicht immer um Ott/Weed/Mary Jane, sondern auch um Bäume und relativ unrauchbare Wiesen. GReeeN geht es unterm Strich um ein viel einfacheres High: Das High des Seins an sich. Die Konzentration auf das Wesentliche in einer wahnsinnig schnellen konsum- und statusorientierten Welt. Das vermittelt er dann auch gekonnt in seiner Musik:

Positive Vibes und eingängige Flows, Balsam für die gestresste Seele, verpackt in das Beste aus Reggae und Rap. Eben Rappae.

GReeeN erinnert dich daran, wer du eigentlich bist. Nämlich der König über dein eigenes Königreich namens: Leben.

Warte auf keine Rettung, denn die Rettung bist du selbst!

“Ach du grüne Neune” Tour 2018

Nachdem auch die 4. Tour restlos ausverkauft war, dachte sich der energiegeladene GReeeN: „Und nochmal!“ Aus diesem Grund ging unsere Lieblingsfarbe im Herbst 2018 wieder auf Tournee durch Deutschland, Österreich und die Schweiz. Diesmal spielte er in Sage und Schreibe 30 Städten! Jetzt im Sommer 2019 ist er wieder unterwegs.

„Ach du grüne Neune“ fällt einem dazu ein.

Und genau so heißt auch seine kommende EP mit 9 brandneuen Tracks, auf der auch sein böser Bruder "Grinch Hill” mit hartem Battle-Rap versucht die Massen auf die dunkle Seite der Macht zu ziehen.

Zum Glück ist GReeeN zur Stelle und weiß das mit seiner guten Laune und lichtdurchtränkter Musik zu verhindern.

Über die Jahre hinweg entwickelte GReeeN seine eigene Musikrichtung, die er selbst "Rappae" nennt, eine Mischung aus Rap und Reggae.

Den Gästen wird auf der “Ach du grüne Neune” Tour 2018 eine abwechslungsreiche Show geboten, das dem Prinzip "Schatten und Licht", "Yin und Yang" "Harte und weiche Texte", unterliegt. Eben Grinch Hill und GReeeN.

„Dieter Thomas Kuhn machen süchtig“, „Papst des schlechten Geschmacks“, „Kuhnis verwandeln jedes Konzert in ein Sonnenblumenmeer der Liebe“, „Was machen diese Kuhnis mit diesen Klamotten im normalen Leben“, Diese und andere Schlagzeilen begleiten Dieter Thomas Kuhn & Band seit. Und es ist wahr: Dieter Thomas Kuhn & Band – Konzerte bringen Menschen zusammen, die nettesten und verrücktesten Menschen der Welt. Jedes Kuhn-Konzert bringt Farbe in die Städte. Schon der Anfahrtsweg zur Konzertlocation ist ein farbenfrohes Happening. Da wird jede U-Bahn zum Schlagerchor! 

Kuhn-Konzerte sind Familientreffen, die „Kuhnis“ genannten Anhänger sind eine verschworene Gemeinschaft, die jeden gerne aufnehmen. Hier haben alle Spaß, lernen neue Freunde kennen, treffen alte Freunde wieder. Alle feiern mit allen! Alle lieben alle und alle lieben Dieter Thomas Kuhn! Angefangen hat alles in den populärsten Alternative und Independent-Clubs Deutschlands: Batschkapp Frankfurt, Markthalle Hamburg, Huxleys Neue Welt Berlin, Tor 3 Düsseldorf waren die ersten Stationen einer außergewöhnlichen Karriere. Die Auswahl der Locations machte gleich klar: Hier geht es nicht um Schlager im herkömmlichen Sinn, hier wird Schlager neu interpretiert. Hier geht es um die schönsten Schlager für ein Publikum, das sonst nichts mit Schlager am Hut hat!Nach einer 5-jährigen Pause kehrte Dieter Thomas Kuhn & Band 2005 triumphal zurück und begeistern seither jedes Jahr aufs Neue mit neuen Outfits, neuer Bühnendeko, neuen Songs, neuen CDs - und bleiben sich dabei doch immer treu.

Die Dieter Thomas Kuhn Konzerte sind mittlerweile Kult auf dem ZMF und dürfen nicht fehlen. 

Lieber Maxi als normal!

Maxi Gstettenbauer mit neuem Programm auf Deutschlandtour

„Ich erzähle, Du lachst“. Klingt einfach, ist es aber nicht. Es sei denn, man heißt Maxi Gstettenbauer, kam als überzeugter Digital Native in Niederbayern zur Welt, lebt in Köln und bekennt sich dazu, „lieber Maxi als normal“ zu sein. Dann hat man die besten Voraussetzungen, um Geschichten rauszuhauen, bei denen die Zuschauer sich zwei Stunden lang vor Lachen nicht mehr halten können.

Maxi Gstettenbauer erzählt meist von sich. Und ist dabei schonungslos. Andere würden z.B. ihren ersten Auftritt bei Stefan Raab als Riesenerfolg verkaufen, Maxi hingegen entblößt das Desaster, das sich auf der Bühne und in seinem Inneren abspielte. Dabei erweist er sich als spitzfindiger Beobachter, der aus dem Haarkleinen das Potential für seine Geschichten schöpft. Ganz allein steht er auf der Bühne und fängt sein Publikum mit einer markanten Stimme ein, die auch dann freundlich bleibt, wenn er Gemeinheiten seziert. Weil der kellergebräunte Comedy-Nerd sein Programm nicht auswendig lernt, gibt ihm das Platz für Improvisationseinlagen. Aus einem Zwischenruf eines Zuschauers entsteht gerne mal ein ungeplanter Exkurs ins Absurde bei dem man sich fragt: Wie kommt er bloß auf solch einen grandiosen Nonsens? Das sind Momente, in denen Maxi schon mal losprustet und konstatiert: „Ich arbeite gerade und bekomme auch noch Geld dafür!“ Verdient hat er es, weil er nicht versucht, uns die Welt zu erklären, sondern zwei Stunden einfach mal die Sau rauslässt und damit bestens unterhält. Seine Schule ist das Leben. Keine klassische Ausbildung, kein Studium, nicht mal Abitur! Was für jeden anderen Beruf eine Katastrophe wäre ist für die Comedy genau richtig! Von der Schule direkt nach Köln in die Comedy-Welt! Zwischendurch jobbte er als Tester für Computerspiele. Er kennt sie alle und war auf jedem Level unterwegs. Wenn er von seiner Leidenschaft für Spielkonsolen erzählt, bleibt kein Auge trocken. Die Kenner können gar nicht anders als über sich selbst zu lachen und die Digital Immigrants schütteln sich, wenn Maxi Gstettenbauer den Klischees über Computer-Nerds Futter gibt. Maxi schaut gerne hinter die Kulissen und hinterfragt z.B., wie wir das Internet nutzen. Da ist offensichtlich Aufklärungsbedarf, sonst würden die sozialen Medien uns nicht so erfolgreich Produkte verkaufen, die kein Mensch braucht. Der smarte Bayer mit Wohnsitz in Köln beschreibt sich gern selbst so: „Ich bin ein Comedian, der die Welt mit wachen Augen sieht, sich aber in den Details verliert.“ Sehr zum Vergnügen seiner stetig wachsenden Fangemeinde.

Über 10 Millionen Klicks auf YouTube, zahlreiche TV-Auftritte, die Auszeichnung mit dem Jury-Preis des großen Kleinkunstfestivals 2016 und last but not least der Güldene August der HumorZone 2015: Mit „Lieber Maxi als normal“ setzt Maxi Gstettenbauer seinen Weg in die Top-Liga der Deutschen Comedians unbeirrt fort.

Der Pirat im Treppenhaus

Wer träumt nicht manchmal davon, dem Alltag zu entfliehen und in fernen Ländern Abenteuer zu erleben? So auch Svenja, die am liebsten als Piratin unterwegs ist. Mit ihrem Spiel stört sie aber so manchen Erwachsenen wie den Hausmeister Matuschek. Zum Glück gibt es da noch die einsame Nachbarin Frau Blume, die Svenja zu Hilfe kommt.

Abends liegt sie in ihrem Bett. Und dann verwandelt sich dieses auf einmal in ein schwankendes Schiff. Im Traum liefert sie sich großartige Duelle mit ihrem Widersacher, dem gemeinen Piratenkapitän, sie begegnet einer echten Klabauterfrau und findet am Ende sogar einen Schatz.

„Mit einfachsten Mitteln, viel Situationskomik und Spielfreude entwickeln die jungen Schauspieler in wechselnden Rollen eine rasante Piratengeschichte, die nicht nur allerhand Genre-Klischees gegen den Strich bürstet, sondern auch mehr und mehr zur Hommage an die Fantasie wird.“ Badische Zeitung

Eine Piraten-Traum-Geschichte für Kinder ab 5 Jahren

von Steffi Bürger

Zum 10-jährigen Jubiläum nimmt das Theater Budenzauber eines seiner erfolgreichsten Stücke in neuer Besetzung wieder auf!

Es spielen: Nada Degrell, Marie Wuillème und Nils Hüttenrauch

Regie: Steffi Bürger
Kostüme: Yvonne Forster

Moop Mama

Am 07.09.2018 erschien mit ICH das vierte Studioalbum von MOOP MAMA. Zehn Individuen brachten zum vierten Mal als Band ein Album raus – und nannten es: ICH. Damit erschufen sie mehr 
als ein Wir, mehr als bloße Gruppendynamik.

MOOP MAMA kreierten eine neue Identität, die sich aus den Egos, Talenten, Launen und Ansichten von zehn komplett verschiedenen Musikern zusammensetzt.

Und wenn einer rappt, zwei die Drums bearbeiten und sieben Typen alles aus ihren Lungen rausholen, ist es schon ein Statement, das Ganze als ICH zu verkaufen.

Die Maschine MOOP MAMA – von außen eine Einheit, von innen viel Reibung. Aber Reibung erzeugt Wärme und ICH ist die heißeste Platte, die die Band je auf den Markt geworfen hat.

Die Stadt und der öffentliche Raum. Seine Bewohnerinnen und Bewohner und deren Leben – das waren schon immer zentrale Themen in den Songs von MOOP MAMA.

Auf ICH erzählen MOOP MAMA Geschichten, die jedem von uns etwas sagen. Von individuellen Empfindungen und subjektivem Erleben, das trotzdem exemplarisch für das große Ganze unserer heutigen Zeit und Gesellschaft steht. Ein Album, 15 Songs und fast genauso viele Ich-Erzähler*innen. Alltagsbeobachtungen und Innenansichten, die aktuelle Lage der Nation und der Welt, Liebe und Revolution in der Stadt. Fetter Bass und trotzdem viel dahinter. Immer zwischen Utopie und dem – harten – Boden der Tatsachen.

Der Sound knüpft an die vergangenen Alben an. Am Setup der Band MOOP MAMA hat sich nichts geändert und trotzdem fühlt sich ICH völlig neu an. Kryptik Joe (Deichkind), Fatoni und die Antilopen Gang geben sich auf der Platte als Gäste die Ehre. Produziert wurde ICH, wie schon sein Vorgänger M.O.O.P.topia, von David Raddish und Lukas „Bustla“ Roth.

Wie immer bei MOOP MAMA fällt die Entscheidung schwer: Lauscht man den Geschichten oder lässt man sich mitreißen von der Macht dieser Musik? Aber wer will sich da schon entscheiden? So vielfältig wie ICH sich präsentiert, so vielfältig sind auch die Momente, in denen das Album der richtige Soundtrack ist.

Auf dem Festival, im Park oder auf der Couch -– ICH hat ein gewaltiges Ego. Und das tut richtig gut.

Django 3000

Nach sieben Jahren Dauerparty, nach Erfolgsalben wie „Hopaaa!“ und „Bonaparty“, nach dem deutschlandweiten Siegeszug ihrer legendären Partykracher, ist es nur logisch innezuhalten, Richtung Horizont in die aufgehende Sonne zu blicken – und zu schauen, wohin die Reise weitergeht. Und das fünfte Studioalbum „Django4000“ beschreibt den neuen Kurs ganz wunderbar. „Ein bisserl erwachsener, vielleicht auch reflektierter“, beschreibt Florian „Da Geiga“ Starflinger, die neue Django-Musik auf dem neuen Album, das im Frühjahr 2019 erscheint.

Und tatsächlich: So hat man Django 3000 noch nie gehört. So neu, so anders – und doch so Django. Fast schon Django 4000. Eine turbulente, eine packende und mitreißende Platte ist da entstanden. Mit Musik, die rockiger als bisher daherkommt, geradeausiger, weniger verspielt – und die doch die Wurzeln der Freistaat-Gitanos nie verleugnet.

In den neuen Django-Songs, die Kamil Müller in seinem erdigen, rauen und kraftstrotzenden Slowako- Bayerisch, auf Hochdeutsch und ab und zu auch auf Englisch singt geht es um den menschenunwürdigen, alles beherrschenden Materialismus: „Ich sehe sie liegen, die Leute im Dreck, da oben im Gold ist dein Versteck“. Oder über die unselige Hass-Gesellschaft, „Jeder moant, er macht es besser, kritisiert und schleift sei Messer“ und um zerstörerische toxische Beziehungen, die niemandem guttun: „Du ziehst mich ab wie Leder vom lebendigen Leib. Stichst in Voodoo-Puppen rein, nur zum Zeitvertreib“.

In einer hinreißenden Ballade mit dem Titel „Wo de Berg san“ singt ausgerechnet Kamil Müller, dieser Parade-Europäer, übers so sensible Thema Heimat, das in der heutigen Zeit schnell falsch verstanden wird: „Wo die Berg san, oder nur a ebens Feld. Wo die Freind san, da is a dei Herz. Du spürst as Lebn, spürst an Schmerz. Des is dei Dahoam, das sich Heimat nennt.“  Ein Slowake, der in Bayern seine Heimat gefunden hat und der bayerische Lieder singt – Herrschaftszeiten, wenn Europa doch nur immer so großartig funktionieren würde.

Es sind neue Lieder für neue Zeiten auf dem fünften Studioalbum von Django 3000.

2019 steigen sie wieder in den Sattel, für die große „Tour 4000“: Sänger Kamil Müller, Geiger Florian Starflinger, Schlagzeuger Jan-Philipp Wiesmann, Bassist Korbinian Kugler und Keyboarder Max Schuller geben auch diesmal wieder ihren letzten Blutstropfen für herausragende Songs. Und auch wenn sich die eine oder andere Ballade eingeschlichen hat – von ruhigeren Zeiten, quasi von Gitano Filter, ist nichts zu hören.

Werd da Wahnsinn!!!

Eine Wäscherin, die von großen Heldentaten träumt.

Hanna, zerzaust und versponnen, hat als Wäscherin kein leichtes Leben. 
Widerspenstige Wäscheklammern, heimtückische Wäscheseile, ein Waschbecken mit schwindelerregenden Abgründen und vor allem ein dreckiger und fauler Wäschehaufen können nur mit aller List bezwungen werden. Hannas einziger Lichtblick ist ihr Buch über die Heldentaten von Jeanne d‘Arc, das sie in den Arbeitspausen mit Hingabe liest.
Ja! Ohne Zögern würde sie ihr einsames und mühsames Leben gegen Abenteuer, Ruhm und Ehre eintauschen.Traum und Wirklichkeit vermischen sich, verlieren ihre Grenzen. Der Waschzuber wird zum Kriegsschiff, der Wäschehaufen zum Kampfross… sogar Hosen "kommen vom Himmel geflogen" und erheben sie zum Ritter: Es lebe Jeanne d'ArPpo! 
Mangels ausländischen Eroberern erklärt sie kurzerhand ihrem bittersten Feind den Krieg: dem "Riesenhaufendreckiger-wäsche".
Weder Raufereien noch Saufereien, weder Verrat noch Feigheit können die wackere Heldin entmutigen, die sich, mit immer mehr Pfannen und Kübeln gewappnet, tapfer schlägt.
Aber kleine Leute haben es schwer aus dem Schatten zu treten….und Hanna geht heldenhaft in ihrem Waschbecken unter.

Lasst uns tanzen!

Mit grenzenloser positiver Energie und spontaner Magie erfüllen El Flecha Negra den Raum. Der „schwarze Pfeil“ hat sein Ziel getroffen, wenn es kein Halten mehr gibt und alle zusammen feiern!

El Flecha Negra ist ein reißender musikalischer Fluss, der aus vielfältigen Quellen gespeist wird. Die Musiker aus Chile, Peru, Spanien und Deutschland verbinden traditionelle Stile wie Cumbia und Reggae mit Mestizo und Peruanischen Chicha Sounds. Eine wilde und ungewöhnliche Mischung, die erstaunlich stimmig rüberkommt und direkt ins Herz trifft!

Mit dem aktuellen Album „Tropikal Passport“ liefert die Band ein tanzbares und zugleich tiefgreifendes Statement, das Südamerikanische Roots und Karibische Leichtigkeit vereint.

Im Sommer 2014 starteten El Flecha Negra zu dritt mit Gitarre, Kontrabass, Cajon und dreistimmigen Gesang als Straßenmusiker und entwickelten sich zu einer gefragten Live-Band, die für ihre energiegeladene Bühnenshow bekannt ist. 2015 erschien El Flecha Negras Debütalbums „Schwarzwald“. Sie spielten mehr als 200 Konzerte in Deutschland und dem benachbarten Ausland.

2016 unternahm die Band eine gefeierte Tour in Chile. Mit den Aufnahmen zu „Tropikal Passport“ entwickelte sich der Bandsound weiter. Mit zwei Trompeten, Schlagzeug, traditionellen Flöten und psychedelischer Chicha-Gitarre wuchs El Flecha Negra zu einem Quintett — Eine charismatische, multikulturelle Band aus vier verschiedenen Ländern und zwei Kontinenten.

In den dreizehn Songs auf „Tropikal Passport“ erzählen die Musiker von El Flecha Negra von ihren Wünschen und Träumen wie dem Zusammenwachsen der Kontinente, von Freiheit und Liebe, vom Aufbrechen und Reisen sowie von der Freiheit, bleiben zu dürfen und zu genießen - es sind ihre persönlichen Geschichten, die sie dorthin gebracht haben, wo sie heute stehen.

Support: Tomo Como Rey

...sie kommen aus Santiago de Chile und heizen mit Nueva Cumbia Chilena ein!

EDEN (ANOUC und URTE) sind beide keine unbekannten Gesichter in Freiburg: ANOUC, ehemals Teil des Veranstalterkollektivs Chez Freiburg sowie eine Hälfte des früheren Duos Canvas um Kollektiv B und URTE, der es in ihrer Vergangenheit mitunter durch die UK-Bass orientierte Veranstaltungsreihe Vapor Club gelang in Freiburg neue musikalische Akzente zu setzen. Zusammen bedienen sie eine Schnittstelle zwischen Tropical Bass und kontemporärer Clubmusik. Karibischer Dancehall, Afrobeats, Hiphop und RnB treffen hier auf vertrackte Rhythmen aus dunklen britischen Kellern. Wer 
gleichförmige Sets erwartet, sollte fernbleiben - wer hingegen die Vielfalt elektronischer Clubmusik zu schätzen weiß, sollte EDEN nicht verpassen.

Genre: Tropical Bass
Eintritt frei

Kapitän Flunker ist ein rauer Seemann, der noch immer die sieben Weltmeere bereist: Atlantik, Pazifik, Indischer Ozean, Ostsee, Bodensee, Steinhuder Meer und... das ZMF.

Schon sein Ururuhrgroßonkel war ein berüchtigter Freibeuter der Meere. Das Publikum darf sich auf einen 202 cm großen, frechen und rücksichtslosen Piraten freuen.

Seine haarsträubenden Geschichten aus allen Teilen der Welt sind ein Ohren- und Augenschmaus für die ganze Familie. Freiwillige erhalten Ihr Lieblingstier oder lernen das gefährliche Spiel mit dem Feuer. Und zum Finale gibt es den ohrenbetäubenden Knall aus der Piratenkanone. Achtung das Ding ballert richtig!!!!

Das erste Album seit einem Jahrzehnt – das wäre für die meisten Künstler vermutlich beängstigend. Nicht so für Jazzanova. Denn der ständige Zustand des Werdens ist quasi DNA dieses außergewöhnlichen Ensembles. Vom ersten Moment an, als sich das Kollektiv 1995 als DJ-Gruppe gründete, gab es keine Blaupause für das, was Jazzanova einmal sein sollte. Und in jeder Phase der Entwicklung hat sich die Gruppe ein Stück weit wieder neu erfunden. Jazzanova hat sich nie an eine bestimmte Szene oder einen bestimmten Sound gehalten, hat nie eine bestimmte Technik oder ein bestimmtes Format verfolgt. Sondern war ein DJ-Kollektiv, ein Produktions-Gespann, ein Remix-Team, Radio-Host und -Moderator, Labelbesitzer und Kurator. Stets mit einem Fuß in der Clubkultur und mit dem anderen in der Live-Arena: dem Ort, an dem Jazzanova in den letzten zehn Jahren am aktivsten war. All diese kreativen Strömungen sprudelten in den letzten zwei Jahrzehnten unentwegt - und fließen nun auf ganz natürliche Weise in die musikalischen Verästelungen von The Pool, ihrem bisher reifsten und faszinierendsten Album.

Als sich das Team um Alex Barck, Claas Brieler, Axel Reinemer, Jürgen von Knoblauch und Stefan Leisering zum ersten Mal traf, waren sie alle tief in einer Clubszene verwurzelt, die sich - wie Stefan es ausdrückt - um „Funk, Jazz, Disco, Latin.... alles Mögliche - aber meist um alte Platten“ drehte. Ihr erster Anstoß, zusammen ins Studio zu gehen, war einfach „etwas Neues zu haben, um in DJ-Sets zusammen die alten Sachen zu spielen“. Es dauerte eine Weile, bis sie Fuß gefasst hatten. Aber als „Fedime's Flight“, ihre selbstveröffentlichte Mischung aus brasilianischem Shuffle und kosmischen Soul-Akkorden, 1997 unter DJs in Umlauf kam, beschleunigte sich der Erfolg plötzlich rasant. Zusammen mit Michael Reinboth's Compost Label aus München – damals bereits fest etabliert und mit seinen Future Sound of Jazz Compilations international sehr erfolgreich – gründeten sie JCR (Jazzanova Compost Records) und begannen 1998 mit zwei Jazzanova EPs ihre rege musikalische Aktivität.

„Die ersten vier oder fünf Jahre (nach unserer ersten Platte) waren super intensiv“, sagt Stefan. Das ist keine Übertreibung: Das Jazzanova Kollektiv war schnell auf der ganzen Welt gefragt und verband sich mit unterschiedlichen Musik-Szenen von Kyoto bis Philadelphia. Ständig im Studio, remixend und produzierend, bauten sie Verbindungen zu anderen Musikern auf. Dabei streiften sie mühelos Richtungen wie Neo-Soul, gebrochenen Beat, Nu Jazz, Deep House und viele andere Sounds. So konnten sie mit dem Philly-Rapper Capitol A genauso gut arbeiten wie mit den europäischen House-Helden Dixon und Âme. Dies alles führte 2002 zu ihrem Debütalbum In Between - einer glorreichen Mischung aus radikalen Experimenten und klassizistischen Klängen, mit einem beachtlichen Kreis an Gast-Sängern und Instrumentalisten. Für andere wäre das erste Album das zentrale Ding. 



Für die Jungs von Jazzanova war es nur ein weiteres Element neben Remixen, Kuratoren-Tätigkeiten, DJing und den zunehmend elaborierten Schritten, ihre Kompositionen auch live vor Publikum anspruchsvoll zu präsentieren.

Genau hier zeigt sich die ganze Brillanz des Jazzanova-Modells. Anstatt zwischen all den individuellen Verpflichtungen etwas Chaotisches und Unkontrollierbares zu produzieren, führte es bei ihnen zu einer ungewöhnlich nachhaltigen Arbeitsweise: Wo klassische Bands auf den Album-Tour-Album-Tour-Zyklus angewiesen sind, um in den Medien sichtbar zu bleiben, war bei Jazzanova für die Fans immer etwas dabei: Ob beim Komponieren für moderne Tanzshows, Kompilieren aus dem legendären Blue Note Jazz-Archiv oder dem Betrieb der JCR- und Sonar Kollektiv-Labels. Tatsächlich waren selbst die Vertriebsprobleme, welche die Verbreitung ihres Of All The Things-Album von 2008 erschwerten, kein Drama für das umtriebige Multi-Task-Ensemble. So dass Stefan dazu heute halb im Scherz sagt: „Manchmal frage ich mich, ob die Leute überhaupt wissen, dass wir ein zweites Album gemacht haben!“ Alles kein Problem für die Jungs: Denn wieder war das Album nur ein Puzzlestück im universellen Jazzanova-Gesamtwerk.

Und so vergingen die zehn Jahre zwischen Of All The Things und The Pool schnell. Jazzanova wurde nie langsamer, sie hörten nie auf, Verbindungen zu unterschiedlichen Musik-Szenen, Musikern und Fans aufzubauen. Sie hörten nie auf, sich musikalisch weiter zu entwickeln – auch wenn sich die meisten Mitglieder von Jazzanova parallel immerhin Zeit genommen haben, Familien zu gründen. Die Musik entwickelte sich daneben konstant weiter, wie der Strom des Lebens selbst. Die 2010er Jahre wurden vor allem damit verbracht, die Welt zu bereisen, die Live-Sets von Jazzanova beschallten viele Festivals und Arenen. „Keiner von uns war ausgebildeter Musiker“, sagt Stefan, „also war alles, was wir taten, eine Lernerfahrung.“ Und der Lernfortschritt vollzog sich in einem atemberaubenden Tempo: Schon die ersten 12"-Veröffentlichungen hatten eine bemerkenswerte Raffinesse, obwohl sie von reinem Instinkt getrieben waren – einem Instinkt für das, was auf einem Dancefloor funktioniert. So ist 20 Jahre nach den ersten Maxis die verdichtete Menge an musikalischer Erfahrung dieses Kollektivs enorm, weil sie Spiegelbild einer konstanten Auseinandersetzung, eines stetigen Eintauchens in den Klang über viele Jahre hinweg reflektiert.

Das alles bringt uns zu The Pool – dem mit Abstand komplettesten Album von Jazzanova bislang. „Es gibt viele Einflüsse, die sich ähneln“, sagt Stefan. „Die Art und Weise, wie wir das Sampling auf eine bestimmte Weise einsetzen, die Art, wie wir Instrumente im Studio spielen, gibt ihm einen sehr homogenen Klang.“ In der Tat: Die Kombination aus zehntausenden von Stunden Erfahrung auf der Live-Bühne, im Studio, im Radio und im Club haben den Jazzanova-Jungs ein unverwechselbares Selbstvertrauen gegeben, eine Solidität bei allem, was sie für ihre Aufnahmen einsetzen, die man in jedem Beat und jeder Note hören kann. Man hört auch, dass es sich hier um eine „erwachsene“ Platte handelt: von Rhythmus zu Rhythmus, von Stil zu Stil ist viel weniger zu hören, als bei den ersten Aufnahmen - alles dreht sich um die Logik des einzelnen Songs. Doch zugleich gibt es auch schillernde Farben, die sich von Minute zu Minute verschieben. Wie immer gibt es auch wieder eine beeindruckende Auswahl an Kollaborateuren - und jeder Sänger oder Rapper bringt seine ganz eigene Note in das Werk ein.

The Pool entstand durch ständiges Herumspielen mit Samples. Stefan erinnert sich, wie er mit zehn Trackskizzen anfing, von denen nur ein paar wenige letztlich auch Songs wurden. „Aber das ist der beste Weg - wir machen lieber, als zu diskutieren und zu planen“. Wie immer ist es die Vielseitigkeit von Jazzanova, die dabei alles zusammenhält. Und wie immer bleiben die Jungs umtriebig: Dieses Album wird natürlich weitere Shows, weitere Remixe, weitere Musiker-Connections generieren. Aber es erzeugt auch den Drang, noch mehr neue eigene Musik zu schaffen. Zurück im Studio wurde den fünf Musikern deutlich, dass der kollektive kreative Funken beim Produzieren genauso stark war wie auf der Bühne oder in den unzähligen Nebenprojekten - so dass man wohl nicht davon ausgehen muss, dass es nun wieder ein Jahrzehnt dauert bis zum nächsten Album. Dies ist definitiv der Beginn eines neuen Kapitels in der faszinierenden Geschichte von Jazzanova. Es gibt immer noch keine Vorlage für das, was sie sind oder in Zukunft sein werden. Sie erfinden immer noch die Regeln mit großer Freude immer wieder neu. Und genau das ist es, was ihre Musik so wundervoll macht.

Bereits mit vier Jahren begann der junge Pianist Robert Neumann Klavier zu spielen. Sein Orchesterdebüt gab er im Alter von acht Jahren mit dem Radiosinfonieorchester Stuttgart, worauf viele weitere Orchesterauftritte folgten. Mit seinen inzwischen gerade einmal 18 Jahren trat er schon in der Stuttgarter Liederhalle, im Festspielhaus Bregenz, im Gewandhaus und vielen mehr auf. 2018 wurde er von der Jury des Südwestrundfunks zum „SWR New Talent“ für sein ausdrucksstarkes, musikalisch mitreißendes, technisch brillantes und strukturell klares Spiel gekürt. Der Gewinner und Preisträger zahlreicher nationaler und internationaler Wettbewerbe wird im Rahmen der Klassik-Matinee die Haydn Sonate e-Moll, Prokofiev Sonate Nr.2 und die 24 Chopin Préludes spielen.

Zwischen meinen Zeilen Tour

Wenn Singer-Songwriterin LEA auf die Bühne kommt, dann ist eins klar: „LEA gehört einer neuen Riege deutscher Pop-Künstlerinnen an, die etwas zu sagen haben“ (NDR). Auf ihrem aktuellen Album „Zwischen meinen Zeilen“ treffen emotionale, traurige Lieder mit tiefgründigen Texten auf tanzbare Beats mit viel Energie. Unentschlossenheit, Bindungsangst oder die Suche nach der Selbstaufgabe ihrer Generation sind nur einige Hürden des Alltags, die sie thematisiert: „Es geht mir darum, ehrlich zu sich selbst zu sein und damit aufzuhören, sich zu vergleichen, mehr auf sich selbst zu achten. Manchmal wünsche ich mir, dass wir uns alle selbst mehr vertrauen.“ 
Diese Ehrlichkeit gegenüber sich selbst und ihren Fans lassen die aus Kassel stammende Künstlerin stetig wachsen. Mit 15 Jahren über YouTube bekannt geworden, singt 2019 ganz Deutschland ihre Lieder mit. Ihre diesjährige „Zwischen meinen Zeilen“ Tour war mit insgesamt 19 Konzerten, darunter drei Zusatzshows, genauso wie ihre „Fahrtwind“ Tour 2018 restlos ausverkauft. Der krönende Abschluss: Die Verleihung der Platinauszeichnung für ihre Single „Leiser“, die an den Erfolg ihrer ersten Platin-Single „Wohin Willst Du“ anknüpft. 
Ob mit gesamter Band oder bei einer Solo-Einlage am Klavier: LEA kommt mit ihrer Authentizität, ihrer markanten Stimme und ihrer Offenheit an. „Ob ich vor vier Leuten spiele oder vor 1.000 – ich mache das aus Liebe, und weil ich das schon immer gemacht habe, das Liedermachen.“ Im Sommer dieses Jahres wird sie auf große Festival- und Open Air Tour gehen und über 30 Bühnen im In- und Ausland bespielen. Laue Sommernächte, Wunderkerzen-Feeling und Lieder, die einem noch Tage lang im Kopf bleiben, sind mit LEA vorprogrammiert.

Support: Haller

Allein sein muss weniger weh und viel mehr gut tun. Hier kommt einer, der sich darum kümmern will: HALLER. Nachdem der Musiker aus Aachen zwei selbstbewusste EPs veröffentlicht hat, sang er sich Ende 2018 mit der Single „Schön genug“ ein Stück tiefer in die Herzen seiner Supporter: „Schön Genug“ ist nicht nur musikalisch mitreißend. „Die Single ist auch der ehrliche Aufruf eines ehrlichen Künstlers, der sich selbst nicht zu ernst nimmt“ (The Mellow Music). 
HALLER macht nicht nur Musik, er erzählt Geschichten. Seine Texte sind ergreifend, persönlich und Mut aufbauend. Er berichtet von alltäglichen Gedanken, von den schönen und weniger schönen Dingen des Lebens, vom Glücklich sein oder seiner Kindheit. Zu Gitarrenklängen und Blues- Elementen geschmeidig auf den Punkt singend, trägt er die Kopflage bis runter zum Bass und den Text direkt ins Ohr, sodass der Vergleich mit Frank Ocean nicht von ungefähr kommt. 
Im Frühjahr 2019 will HALLER Vollgas geben. Nach Supports für Künstler wie MINE, Michael Schulte oder LOTTE geht es Ende April auf eigene Kuss. Tour. Mit im Gepäck: Neue Musik, viel Energie und ein breites Lächeln im Gesicht.

Das nullte Kapitel

„Das Peng gebar sich selbst im Dichterdarm des Wörterwals. Es wuchs über Tage und Jahre bis es Finger auf den Augen und Ohren an den Füssen trug. Es tanzte durch die Blutbahn des Wals, bis es den Rand seines mächtig pumpenden Herzens erreichte. Dort erblickte es das leise singende Bing, das den Wal am Leben erhielt. Es kroch voran zum Auge des Tieres, nahm allen Mut zu-sammen und sonderte sich als Träne ab, um mit dem Ozean zu verschmelzen. Der Ozean war eine raue Seele und schleuderte ihn durch haushohe Wellen und reißende Strudel hinab in die Tiefen seiner unermesslichen Weite. Und dort, im schwärzesten Schwarz, erwartete ihn das Monster. Es griff mit Saugnapf besetzten Krakenarmen nach ihm und zog ihn sanft in seinen Schoß. Seit diesem Tag suchen sie gemeinsam nach dem Verfasser des nullten Kapitels.“ (aus: „Das Nullte Kapitel“)  

Käptn Peng & Die Tentakel von Delphi sind nach „Expedition ins O“ von 2013 mit ihrem zweiten Band-Studioalbum zurück und es geht darauf laut Peng „wieder um bestimmte Dinge (und auch Gefühle). “Neben den Tentakel-typischen Sujets wie Wahnsinn, Erleuchtung oder skurrile Monster, wird auf „Das Nullte Kapitel“ unter anderem die Kreiszahl Pi auseinander klamüsert, mit rasierten Igeln in einer irren Traumreise durch Spiegelkabinette gejagt oder die Menschheit nach und nach vom marodierenden Planeten gefegt. Surrealer Text trifft beschwippste Mitsing-Refrains, Metaebene trifft heimliches Augenzwinkern. Erstmals im Themen-Angebot: die klassi-sche Liebes-Schmonzette. Produziert und aufgenommen wurde erneut im bandeigenen Berliner Studio, zusammen mit dem langjährigen Toningenieur der Band Jens Güttes. Galten die Tentakel mit ihrem musikalischen Kuriositätenkabinett aus Bürsten, Töpfen, Fahradklingeln, Betonkübeln, brummelnden Kontrabässen und präparierten Gitarren lange Jahre als die HipHop-Band mit den baufälligsten Instrumenten, haben sich auf der neuen Platte auch ein paar Synthesizerklänge ein-geschlichen, die dem maroden Charme des Bandsounds eine abgespacte Note geben. Ordentlich rumpeln tut es natürlich nach wie vor. 

Umse

Umse ist ein Kind des Ruhrpotts – und ewig Reisender. Ein Malocher-MC mit langem Atem, der sich endlich auszahlt. Der Top-20-Künstler chartete mit seinen letzten beiden Alben „Kunst für sich“ (#36) und „Haiwanischer Schnee“ (#16), die über die Indie-Institution Jakarta Records erschienen. Für sein neues Album nahm er sich zwei Jahre Zeit, musste Tiefschläge überwinden, um „Durch die Wolkendecke “ gehen zu können. Heute präsentiert er mit „Bescheid“ das erste Video zu seinem neuen Album, das am 28.09. erscheint.

In zwei Jahren hat sich einiges angestaut: an Texten und Erfahrungen. So veröffentlichte Umse erst im Mai die 6-Track starke „Flammenwerfer“-EP und nun bereits Ende September ein neues Album. Der Ruhrpott-Rapper, der in einer Tugend-Tradition mit den lokalen Legenden RAG und Too Strong steht und doch nach State of the Art klingt, tourte jahrelang durchs Land und erspielte sich von Konstanz bis Kiel einen exzellenten Ruf als Live-MC.

Als Christoph Umbeck 1983 in Ratingen geboren, wächst der Teenager mit dem ersten großen Deutschrap-Boom auf und beginnt um die Jahrtausendwende selbst mit dem Texten. Vor knapp einer Dekade kreierte Umse einen ersten kleinen Online-Buzz, nachdem seine Debüt-EP „Smart und weise“ über 20.000 mal runtergeladen wurde und die MySpace-Community in 2007 zum „Most Wanted Artist“ des Jahres wählte. Seit 2013 veröffentlicht Umse über Jakarta Records, das Kölner Label, das schon früh die internationalen Talente Anderson .Paak, IAMNOBODI und Oddisee entdeckte. Über die Jahre hat sich der leidenschaftliche FIFA-Zocker eine loyale Fanbase aufgebaut, die ihn für seine Bodenständigkeit schätzt. Umse verkörpert die Werte der alten Schule, vereint Technik und Tiefgang und befriedet mit seinem Neo-Boombap-Entwurf die Rap-Generationen. „Durch Die Wolkendecke“ setzt diesen Weg konsequent fort und zeigt dabei neue Impulse und Perspektiven auf. Der Titel deutet bereits an, dass es düsterer und nachdenklicher zugeht; er steht aber auch sinnbildlich für: „Sky is the limit“.

Dieses Limit ist für den Grown-Man-Rapper noch lange nicht erreicht: Er ist weder hängengebliebener Oldschooler noch gesichtstätowierter Mumble-Rapper, und doch fruchtet sein Scheuklappen-freier, samplelastiger Trademark-Sound im Hier und Jetzt. Mal erinnern die Sing-Sang-Hooks an den frühen 50 Cent, mal an die Crowd-Control-Choruse der Dilated Peoples.

Das Regionale und das Reisen sind zwei Konstanten und Extreme, die sich durch die Karriere von Umse zu ziehen scheinen. Nachdem er sich mit Hofproduzent Deckah für die Produktion von „Hawaianischer Schnee“ in einem Landhaus in der niederländischen Provinz einmietete, flogen sie für „Durch Die Wolkendecke“ bis nach Colorado und Teneriffa. Der Track „Wenn Die Ferne Ruft“ thematisiert dieses Fernweh, das für Umbeck so inspirierend wirkt, mit markanten Lines: „Man tut es wieder, wenn man merkt, das Reisen Wunder bewirkt.“

Der Opener „Bescheid“ ist nur vordergründig ein Representer und offenbart bei genauerem Hinhören reife Reflexionen eines Mittdreißigers. Auf „Mach Das Kleine Groß“ zeigt Umsedialektisches Talent, schließt von dem Großen auf das Kleine, vom Lokalen aufs Globale, von sich als Individuum auf die Gesellschaft und Szene. Die rührende Outro „Jederzeit“ klingt wie eine Art Testament, mit der sich Umse endgültig in den Real-Rap-Analen als eine der wichtigsten Stimmen seiner Generation verewigt. Umse sagte einmal sinngemäß über die Langlebigkeit von Alben: „Es interessiert keine Sau, wie lange du daran gearbeitet hast, es zählt, wie lange sie rotiert.“ Und eine lange Haltwertszeit hat dieses zeitlose, detailverliebte Werk ganz sicherlich. Davon kann man sich bereits im Herbst auf großer Deutschland- Tour überzeugen.

Bereits aus den ersten Tönen des Titelsongs „Fever“ aus dem neuen Album von Balthazar geht hervor, dass sich die fünf Jungs verändert haben, nicht zuletzt aufgrund ihrer individuellen musikalischen Aktivitäten in den letzten Jahren. Mit einem rollenden, trägen Bassriff öffnet sich Fever zu einem schleichenden Sunset-Jam, einem durchdringenden String-Motiv, das dem flippigen Treiben, das Balthazar mit seinem vierten Album in neue Bahnen lenkt, Drama verleiht; ehrlich, verspielt und untermalt von zwei außergewöhnlichen Songschreibern.

Zuvor trennten sich die Wege der Band aufgrund einer Art Auszeit. Frontmann und Schreibpartner Jinte Deprez und Maarten Devoldere wendeten sich von der Band ab und unternahmen beide Solo-Reisen, die sie auf interessante Wege führten, sei es persönlich oder kreativ. Während der Auszeit veröffentlichte Devoldere zwei Alben mit üppigem, launischem Art-Jazz als Warhaus, das, von den Einschränkungen der Band Balthazar befreit, schließlich zu einem Rückzug nach Kirgisistan führte.

Deprez, sein bester Freund seit der Schulzeit, blieb zu Hause in Gent, arbeitete im Studio, liebte das alte R & B und veröffentlichte eine Solo-Platte unter dem Namen J. Bernardt. Die Freiheit, ihren Launen nachzugeben, und das Ergebnis dieser Solo-Erfolge führten zu dem Drang, wieder zusammen zu schreiben, angetrieben von einem breiteren künstlerischen Horizont und beschleunigt durch ihren gegenseitigen Respekt für die Arbeit des anderen.

Beim Wiederfinden hatte die Band keine Pläne, nur den einfachen Wunsch, ihre bisherigen Werke zu verbessern und die Geschichte der Band weiterzuentwickeln. Beide primären Songwriter stimmten einer weniger ernsthaften Vision zu, die auf einen lockereren, erfrischten Sound abzielte - weniger melancholisch, aber ihre zielsichere Fähigkeit behielt, eine hakenbeladene Waffenkammer zu schaffen. Wie Devoldere erklärt; "Einige Songs fühlten sich wie klassische Balthazar-Popsongs an, andere ein bisschen lebhafter, aber erst als wir Fever hatten, hatten wir die Grundlage für den Rest des Albums."

Von chaotischen Haus-Partys in ihrer Heimatstadt Oxford bis hin zu großen Festival-Headlinern in ganz Europa: die Laufbahn von den Foals ist bemerkenswert. Sie wurden von den Kritikern gelobt (NME- und Q-Award-Siege sowie Nominierungen für den Mercury Prize, Ivor Novello und BRIT Award) und erhielten Fan-Hingabe gleichermaßen (1,7 Millionen Verkäufe ihrer vier Gold-zertifizierten Alben plus mehr als eine halbe Milliarde Streams bei Spotify seit 2015). Und während die Mehrheit der Zeitgenossen auf der Strecke geblieben ist, erreichen die Foals weiterhin neue Höhepunkte.

Nach mehr als einem Jahrzehnt begrüßen die Foals diese Liebe für das Unkonventionelle mit dem mutigsten und ehrgeizigsten Projekt ihrer Karriere: nicht nur eines, sondern zwei erstaunliche neue Alben: „Everything Not Saved Will Be Lost“. Ein Release-Paar, unabhängig voneinander, aber verwandt, das sich Titel, Themen und Artwork teilt. „Part 1“ erscheint am 8. März, „Part 2“ folgt im Herbst.

„Es sind zwei Hälften der gleichen Medaille“, erklärt Frontmann Yannis Philippakis. „Sie können individuell angehört und gewürdigt werden, aber im Grunde sind sie Gegenstücke.“

Die beiden Teile sind eng miteinander verbunden, besitzen jedoch ihre eigene Persönlichkeit und zeigen die überzeugendsten, ehrgeizigsten und kohärentesten Kreationen, die die Foals – komplettiert von Jimmy Smith (Gitarre), Jack Bevan (Schlagzeug) und Edwin Congreave (Keys) – jemals produziert haben.

Um die traditionelle Pop-Song-Struktur zu durchbrechen, widersetzen sich die 20 Tracks jeglichen Erwartungshaltungen. Es gibt explorative, progressiv angehauchte Tracks, die gelegentlich die 10-Minuten-Marke überschreiten und atmosphärische Elemente mit sich bringen, die die Musik eher zu einem Erlebnis als zu einer bloßen Sammlung von Songs machen. Aber auch die bekannte Fähigkeit der Band, unnachgiebige Grooves von strahlender Kraft zu erzeugen, erreicht neue Höhen.

Die Lead-Single „Exits“ der Alben ist ein gutes Beispiel dafür, wie Philippakis das Bild einer verwirrenden Welt durch eine ansteckende Gesangsmelodie beschwört. Es ist eine frische Hymne für das unglaubliche Arsenal von den Foals, aber auch eine ominöse Prognose.

„Es gibt eine klare Vorstellung davon, dass die Welt nicht mehr so ​​bewohnbar ist, wie sie war“, sagt Yannis. „Eine Art Gefahr, die nicht vorhersehbar ist, und das Gefühl, von der Größe der Probleme, mit denen wir konfrontiert sind, überwältigt zu werden. Was ist die Antwort? Und was ist der Zweck einer Reaktion, die eine Person haben kann?“

„Exits“ zeigt auf, was von „Everything Not Saved Will Be Lost“ zu erwarten ist. Der Titel ist eine Warnung, dass alles – vom kleinsten flüchtigen Moment der Inspiration bis hin zur biologischen Vielfalt des Planeten – in Gefahr gerät, unwiderruflich ausgelöscht zu werden.

Es ist ein Thema, das sich durch das gesamte Material der Alben zieht, während die Foals die öffentlichen Neurosen widerspiegeln, die durch unser derzeitiges kulturelles Klima ausgelöst wurden. Paranoia der staatlichen Überwachung? Angst vor dem Umweltzusammenbruch? Ein überwältigendes Gefühl der Angst? All dies lässt sich in diesen apokalyptischen Songs wiederfinden.

Besonders deutlich wird dies in dem euphorischen „In Degrees“, das eine Zukunft ausmalt, in der die Fähigkeit, miteinander zu reden, auf ein Nichts reduziert wurde. Diese Herangehensweise ist vielleicht am anschaulichsten auf „Syrups“ und dem verheerenden Schlusspaar auf „Part 1“, „Sunday“ und „I‘m Done With The World (& It’s Done Withe Me)“ zu sehen.

„Textlich gibt es Resonanzen mit dem, was momentan in der Welt vorgeht“, fasst Yannis zusammen. „Ich frage mich, was der Nutzen ist, wenn man sich heutzutage als Musiker nicht mit einigen dieser Sachen beschäftigen kann? Diese Songs sind weiße Fahnen, oder SOSs, oder sie sind Hilferufe ...alle auf unterschiedliche Weise. "

Die Reise der neuen Alben begann, als die Ära von „What Went Down“ endete. Der Gründungsbassist Walter Gervers verabschiedete sich im August 2017 zu einem freundschaftlichen Zeitpunkt, nachdem er beim Festival Paredes de Coura in Portugal gespielt hatte. Die Foals meinten, dass er nicht ersetzt werden könne – eine Entscheidung, die eine Phase der Rekalibrierung, Reorganisation und letztendlich Verjüngung einleitete.

Nach einer kurzen Auszeit kam Foals mit Yannis wieder zusammen, der zusammen mit Edwin auch die Bassparts abdeckte. Sie begannen damit, in einem Proberaum zu schreiben, bevor sie diese Skizzen in den 123 Studios in Peckham mit Unterstützung des Ingenieurs Brett Shaw in die Aufnahmephase brachten. Sie wiederholen den Zyklus zwischen den beiden Räumen und erzeugen so eine fortlaufende Feedbackschleife, während sie versuchen, jede neue Idee an die Ziellinie zu bringen.

„Aus der neuen Welt“ – so nannte der Komponist Antonín Dvorák seine 9. Sinfonie.

Warum er dies tat, und wie aus dem damals noch recht unbekannten Erdteil die Vereinigten Staaten von Amerika wurden, erfahren wir in Timmys neuem Musikabenteuer.

Dabei begegnen uns Piraten, wir lernen Musik und Kultur der indianischen Ureinwohner kennen und erleben, wie aus der klassischen Musik der Weißen und der rhythmischen Musik der Schwarzen eine ganz neue, amerikanische Musik entstand.

Mit Musik von Antonín Dvorák, Scott Joplin, John Philip Sousa, George Gershwin und zahlreichen Traditionals.

Andreas Haas als musizierender Erzähler und Darsteller gestaltet diese halbszenische Musikgeschichte – die bereits 6. Episode aus der beliebten Timmy-Reihe!

Sophie Hunger

Technoider Pop oder eher Berghain-Blues? "Die Schweizerin leistet Aufräumarbeiten in neuen elektronischen Kleidern“, so der Musikexpress über SOPHIE HUNGERS neues Album „Molecules“. Nachdem die Schweizerin nach Berlin gezogen ist und des Öfteren das Berghain besuchte, entdeckte sie die elektronische Musik für sich. Sie entwickelte ein Interesse an modularen Synthesizern, für die Berlin ein Mekka ist. Das musikalische Produkt dieser neuentdeckten Liebe: Ihr aktuelles Album „Molecules“, dass SOPHIE HUNGER selbst in das Genre „minimal electronic folk“ einordnet und welches gleichzeitig das erste Album ist, dass sie komplett in englischer Sprache verfasst hat.

Trotz der stilistischen Veränderungen bleibt SOPHIE HUNGER dennoch vom Charakter her genauso, wie sie ihre Fans in den vergangenen Jahren kennen und lieben gelernt haben: talentiert, klug und eine Künstlerin mit klarer Botschaft, wie wir sie im Jahr 2018 dringend brauchen. Mit „Molecules“ schickt sie ein Album in die Welt, das sich dem postfaktischen Zeitalter der Ignoranz mit Trotz und intellektueller Glaubwürdigkeit entgegenstellt. Pragmatisch, unerwartet und hellwach – oder wie es titel, thesen, temperamente in Worte fasst: „Der Sound einer Widerspenstigen“. Dieser scheint gut anzukommen: Bis auf Platz 16 der deutschen Albumcharts kletterte „Molecules“ bereits und wurde von mehreren Medienhäusern wie der FAZ, dem NDR oder Radio Eins als „Album der Woche“ präsentiert.

Mine

Dass deutsche Popmusik in 90 Prozent der Fälle schnarchlangweilig ist und allzu gerne den einfachen Weg geht, dürfte ein hinreichend bekannter Umstand sein. Dass Mine es besser weiß und kann, ebenfalls. Die 33-Jährige hat das mit ihrem selbstbetitelten Debütalbum aus dem Jahr 2014 und dem Nachfolger „Das Ziel ist im Weg“ zwei Jahre später allein, aber immer wieder auch gemeinsam an der Seite von Künstlern wie den Orsons auf Songs und Bühnen eindrucksvoll bewiesen.

Vielleicht, weil Musik in ihrem Leben schon immer da war: Bei Gesangswettbewerben, im Musikunterricht oder dem anschließenden Studium in Mainz und Mannheim. So klassisch und konform sich dieser Werdegang auf dem Papier liest, so abseits von allem anderen ist das, was Mine in ihren Songs produziert, schreibt und macht. Ihre Lieder klingen so anders, nischig und mutig, gerade richtig leise und dann wieder laut, wie wenig anderes. Nur verständlich, dass es dafür 2016 den Preis für Popkultur in der Kategorie „Lieblingssolokünstlerin“ gab.

In einer politisch herausfordernden Phase ist es Zeit, sich gegen die Maschine zu stellen. Das vorrangiges von Brass Against Ziel ist es, außergewöhnliche Musik zu machen. Wir würden uns jedoch freuen, nicht auch die leider außergewöhnlichen Zeiten zu berücksichtigen, in denen wir leben.

Wir möchten, dass unsere Musik nicht nur inspirierend klingt; Wir möchten, dass unsere Musik mit den Emotionen der Menschen einhergeht und zum Handeln anregt. Wir produzieren außergewöhnliche Musik mit einem politischen Vorsprung.

Wir sind wütend, wir sind inspiriert, wir sind bereit für Veränderungen – und wir hoffen, dass unsere Musik diese Energie bei jedem, der zuhört, verstärkt.

Eine der beliebtesten Live-Acts Neuseelands, The Black Seeds, hat die letzten zwei Jahrzehnte die Welt im Sturm erobert. In ihrer Heimat werden sie in der Tour- und Festival-Szene verehrt, während sie sich im Ausland an der Spitze der international renommierten Wurzelbewegung Neuseelands befinden, neben denen von Fat Freddy‘s Drop.

Vom Clash Magazine als „einer der besten Live-Reggae-Acts der Welt“ beschrieben, fügt die achtköpfige Live-Show der Band pure Energie und gute Stimmung hinzu. Mit unzähligen ausverkauften Tourneen und Auftritten auf vielen der führenden Festivals der Welt bietet das Live-Set der Black Seeds jedes Mal eine Soul-Party.

Der Black Seeds Sound ist fest in den Island-Grooves verwurzelt, die 1998 zur Gründung der Band führten. Der Sound von The Black Seeds spinnt ein weites Netz von Funk, Soul, Afrobeat und anderen eklektische Elemente über ihre Dub-/Reggae-Basis.

Mit einer Fülle von Alben und Hits, darunter „Dust and Dirt“, „So True“, „Cool Me Down“ und „One-By-One“, die zu einem internationalen Hit wurden, als sie in einer Folge von der preisgekrönten TV-Serie „Breaking Bad“, hat die Band zahlreiche Platinum- Verkäufe und -Streams erzielt.

Nachdem sie 2017 ihr sechstes Studioalbum FABRIC mit großem Beifall veröffentlicht hatte, wird die Band im Sommer zum ersten Mal seit 5 Jahren nach Europa zurückkehren. Mit dabei: eine neue Single.

Der Grüffelo

Eine Maus zu sein ist nicht einfach. Noch dazu, wenn man im Wald lebt, wo es Schlangen, Eulen und Füchse gibt, die einen sehr gerne als Festessen betrachten wollen. Da braucht man schon kernige Freunde, die einen beschützen, um als Maus zu überleben. So erfindet Max, unser Mäuseheld, einfach einen Freund, der so groß und schrecklich ist, dass wirklich jeder vor ihm Angst haben muss und nennt ihn „Grüffelo“. Denn: Grüffelo, Grüffela, Grüffelum, das klingt ja gar nicht dumm. Wer so jemanden zum Freund hat, ist auch vor Schlangen, Eulen und Füchsen sicher. Wie überrascht ist Max aber, als er feststellen muss, dass es diesen „Grüffelo“ tatsächlich gibt, der alles andere als sein Freund sein will. Aber Max ist klein und schlau und hat natürlich auch jetzt eine geniale Idee…

Ein Theaterstück mit Figuren und Musik nach dem Bilderbuch von Axel Scheffler und Julia Donaldson.

Geeignet für Kinder von 3-9 Jahren und Erwachsene.

mit Käptn Hässler & Käptn Cook

Namika

Die Single „Je ne parle pas français“ aus ihrem aktuellen Album „Que Walou“ wurde zum #1 Hit, die dazugehörige Release-Tour war innerhalb kurzer Zeit restlos ausverkauft. Nach ihrer ausgedehnten Que Walou Tour 2019 erwarten Namika die Festivalbühnen der Republik.

Geboren und aufgewachsen in Frankfurt, war Hip-Hop für Namika von Anfang an die wesentliche musikalische Inspirationsquelle. Als sie ungefähr neun war, begann sie zu rappen: „Das war eher spielerisch. Mein Cousin und ich waren gleich alt und verbrachten viel Zeit bei unseren Großeltern. Dort haben wir abwechselnd gebeatboxt und gerappt.“

Viele Jahre später kann Namika rappen wie der Teufel und kennt alle Codes, bedient aber nur bedingt die in Deutschland üblichen Hip-Hop- Klischees von Straße und Milieu, von denen sich der interessantere Teil der amerikanischen Konkurrenz längst emanzipiert hat.

Auf ihrem 2015 erschienenen Debüt „Nador“ deutete die Musikerin ihr enormes Talent dann erstmals auf breiter Ebene an. Die erste Single „Lieblingsmensch“ stand wochenlang an der Spitze der Charts, das Album wurde mit Gold ausgezeichnet.

Namikas neues Album „Que Walou“ ist nun die logische Fortsetzung von „Nador“ – und zugleich dessen konsequente Weiterentwicklung. Namika ist durch die Erfahrungen der vergangenen zwei Jahre künstlerisch gereift. „Que Walou“ ist eine Redenwendung aus Zentralmarokko und bedeutet „wie nichts“ oder „für nichts“. Genau so klingt das Album nun auch: Leicht, bouncy, scheinbar mühelos. Die Single-Auskopplung „Je ne parle pas français“ wurde passend dazu zum #1-Sommer-Hit 2018.

Joris

Wir befinden uns im Jahr 3 nach "Hoffnungslos Hoffnungsvoll". 300 Konzerte und 3 Echos später. Joris ist inzwischen 28 und hat sich Zeit gelassen für sein zweites Album "Schrei es raus", das am 5. Oktober 2018 erschien. Es ist der gleiche Joris – diese ungewöhnliche, warme Stimme, die mit großer Ausdruckskraft Geschichten erzählt und Bilder erschafft. Der gleiche erdige, ehrliche Sound, der analog und natürlich diese kraftvolle Stimme dynamisch unterstützt und überall mitgeht: hoch, runter, laut, leise, gleichzeitig rau und sanft - wahnsinnig vielfältig und variabel.

Und doch ist das neue Album in allem MEHR: die Stimme differenzierter, die Texte tiefer, die Inbrunst größer und der Sound progressiver und komplexer. Euphorie trifft Besinnlichkeit, in jedem Text findet sich noch eine tiefere Schicht, die erschlossen werden kann. Mit großer Sensibilität widmet sich Joris den unterschiedlichsten Themen. Da kommt „DU“ zunächst als Liebeslied daher, aber bei genauerem Hinhören wird klar, dass „DU“ das Leben besingt und – typisch für Joris – alle Facetten zur Sprache bringt. Die Songs sind immer mehrdimensional und Joris betrachtet „das Leben“ von vielen Seiten. „In all den Augen“ beschreibt die Gleichzeitigkeit der Dinge: Glück und Unglück, Lieben und Leiden, alles findet sichtbar nebeneinander statt und ist Teil des Spektrums. Hier das Außen, dort das Innen: in „Glück auf“ findet Joris die perfekte Parabel für die schweren Momente: ein eingestürzter Stollen unter Tage, in der Dunkelheit und ohne Sicht und Ausweg. Und das Lied ist dennoch ein Mutmacher, so wie es der Bergmannsgruß verspricht: „Glück auf, ...es geht auf. es geht auf, es geht aufwärts“. Joris traut sich was, probiert sich aus, geht mehr aus sich heraus und mehr in sich hinein, ist noch persönlicher und noch durchlässiger. Ein irre sympathischer Typ, der einen an sich ranlässt, perfekt unperfekt, was die Begegnung mit ihm so einfach macht.

Joris ist in der ostwestfälischen Kleinstadt Vlotho aufgewachsen und lebt inzwischen in Mannheim. Nach dem Rummel um das mehrfach preisgekrönte erste Album zieht er sich zurück und verbringt Anfang 2017 einen Monat allein im winterlichen Italien. Ein persönlicher Reset: alles auf Anfang, um wieder neu starten zu können. Aber klar nehmen auch die neuen Lieder schon Form an, das Album ist im Entstehen.

Dann Spanien im Frühling: in der Finca mit BBQ auf der Terrasse zwischen blühenden Mandelbäumen wird gechillt und gefeiert, aber auch kreativ gearbeitet. Freunde kommen zu Besuch, eine Bühne wird gebaut und musiziert.

Immer dabei ist Joris’ kreativer Counterpart: Keyboarder und Produzent Constantin Krieg. Hier werden die Songskizzen ausprobiert, verändert, verworfen oder weiterentwickelt, die dann in neunmonatiger intensivster Studioarbeit in Berlin, Rothenburg a.d. Fulda und München für das neue Album produziert werden.

Joris hat die Erfahrung gemacht, wie es sich anfühlt, wenn‘s klappt. Das macht es einfacher und schwerer. Wenn es stimmt, was man sagt: das zweite Album sei das schwerste, dann hat Joris hier alles richtig gemacht.

Am Konzertabend wird erst Joris und dann Namika auftreten.