Malcolm Beith: El Chapo. Die Jagd auf Mexikos mächtigsten Drogenbaron. Heyne Paperback, 352 Seiten, ISBN: 978-3-453-26731-2, Euro 16,99.

Rebecca von Lipinski(Míla Válková) und John Graham-Hall(Zivný)

Der eine Künstler macht mit einem einzigen Hammerschlag aus einem Goldklumpen ein Diadem. Und wird dennoch von dem Weib, das ihn inspiriert hat, abgewiesen. Der andere ist Komponist – und verarbeitet in seiner Oper den Verlust seiner Frau.
Es geht um das Ausgestoßensein, um die Selbstreflexion des eigenen Schaffens und um das Leiden an der Realität. Arnold Schönbergs „Die glückliche Hand“ und Leos Janáceks „Osud“ (Schicksal) sind Künstlerdramen. Beide Opern entstanden zu Beginn des 20. Jahrhunderts – und wurden erst viele Jahre später uraufgeführt. Ihre Protagonisten haben viel mit ihren Erfindern zu tun; die Libretti stammen von den Komponisten selbst und reflektieren eigene Krisen. Aber die Stücke unterscheiden sich sehr in Länge, Struktur und Klanglichkeit. Wenn nun die Stuttgarter Staatsoper zum ersten Mal überhaupt die beiden Werke zu einem Musiktheaterabend verbindet, dann beweisen die Regisseure Jossi Wieler und Sergio Morabito Mut, Fantasie und dramaturgisches Geschick. Das nur rund zwanzig Minuten dauernde Drama „Die glückliche Hand“ fungiert als eine Art allegorisches Vorspiel, das das Thema in einer Traumerzählung einführt, ehe es dann bei „Osud“ ganz konkret wird.
Sylvain Cambreling steht erstmals als designierter Generalmusikdirektor am Pult des Staatsorchesters Stuttgart. Das Publikum empfängt den früheren Chefdirigenten des SWR-Sinfonieorchesters mit warmem Beifall. Schönbergs expressionistische, immer wieder von emotional aufgeladenen Melodiefragmenten durchzogene Partitur ist bei dem französischen Dirigenten gut aufgehoben. Die Details lässt Cambreling von den ausgezeichneten Solisten des Staatsorchesters modellieren. Und macht den „Lichtsturm“ nach dem Schöpfungsakt des Künstlers („So schafft man Schmuck“) in einem großen Crescendo zum Orkan. Der Künstler (ausdrucksstark: Shigeo Ishino) liegt auf einer Freudschen Couch (Bühne: Bert Neumann), ehe er von den zwölf mit Gesichtsmasken und Kimonos gekleideten Chorsängerinnen und –sängern vor seinem Scheitern gewarnt wird. Die Frau, die er begehrt, ist in Stuttgart eine monumental aufgeblasene Sexpuppe ohne Gesicht, die die gesamte Bühnenbreite ausfüllt. Ihre riesigen Brüste fallen in sich zusammen, wenn der Mann auf ihnen herumklettert. Das Scheitern des Künstlers, das von Schönberg mit hämischen Einwürfen einer Blaskapelle kommentiert wird, entfaltet in Stuttgart so eine ironische Leichtigkeit, die der „Glücklichen Hand“ durchaus steht. Und gut überleitet zu Janacéks Oper „Osud“, die mit Walzerklängen beginnt.
Im heiteren Ambiente eines Kurorts, das die Kostümbildnerin Nina von Mechow librettogemäß Ende des 19. Jahrhundert ansiedelt, trifft der Komponist Zivny auf seine frühere Geliebte Míla, die ihn vor einigen Jahren auf Druck ihrer Mutter (bedrohlich: Rosalind Plowright) verlassen hat. Míla (lyrisch betörend: Rebecca von Lipinski) trifft sich mit Zivny in einer böhmischen Gartenwirtschaft bei Bier und Brathähnchen. Mitten in das Aufflackern der Liebe lässt Zivny (mit nie nachlassender Strahlkraft: John Graham-Hall) einen kräftigen Rülpser los – und deutet damit schon an, dass diese Beziehung schon bald in den Niederungen des Alltags endet.
Im kurzen zweiten Akt wird das Eheleben zur Hölle. Der Komponist leidet an einer Schaffenskrise, der fünfjährige Sohn Doubek (Vincent Frisch) sitzt im Laufstall, die wahnsinnig gewordene Mutter hinter dem Paravent – ehe sie sich gemeinsam mit ihrer Tochter zu Tode stürzt. So bleibt Zivnys Oper unvollendet, was er im dritten, elf Jahre später spielenden Akt gegenüber seinen Studenten rechtfertigen muss. In seinem großen Monolog mischen sich Fiktion und Realität. Die Repetitionen in den Trompeten sind wie Nadelstiche. Da packt Zivny seinen traumatisierten Sohn, der sich die Kleider der Mutter angezogen hat – und flieht von dieser Bühne.
Weitere Vorstellungen: 2./17./ 23.6.2012. 
Georg Rudiger

Grün ist die Farbe der Hoffnung. Und grün ist auch die Programmbroschüre des Festspielhauses Baden-Baden zu den 2013 beginnenden Osterfestspielen der Berliner Philharmoniker, die den zahlreichen Journalisten auf der Pressekonferenz im Festspielhaus Baden-Baden ausgeteilt wird. Auf dem Deckblatt trifft ein blühender Zweig auf die Klappen einer Querflöte. Und im Heft selbst wird auf 46 Seiten Aufbruchsstimmung verbreitet.
Es war ein Paukenschlag, als die Berliner Philharmoniker im Frühjahr letzten Jahres verkündeten, sie würden ihre Zusammenarbeit mit den Salzburger Osterfestspielen beenden und künftig in Baden-Baden ihre Zelte aufschlagen. Nun sitzt Simon Rattle mit Martin Hoffmann, Intendant der Berliner Philharmoniker, den Orchestervorständen Olaf Maninger und Stanley Dodds sowie Festspielhausintendant Andreas Mölich-Zebhauser sichtlich gut gelaunt auf dem Podium und erzählt von seiner Vorfreude, in Baden-Baden Neues zu kreieren. „Dass ich in Baden-Baden meine erste ‚Zauberflöte’ dirigieren kann, ist, wie wir in Liverpool sagen, mein persönliches Sahnehäubchen.“ Insgesamt vier Mal wird die Neuproduktion in Baden-Baden gegeben und danach für einige Vorstellungen nach Madrid wandern.
Besonders die Kammermusik erhält bei den Festspielen im nächsten Jahr großes Gewicht. Unterschiedliche Formationen des Orchesters, vom Posaunenquartett bis zu den „Vier harmonischen Geigen“, spielen in reizvollen Räumlichkeiten der Stadt wie dem Florentinersaal des Spielcasinos oder der Orangerie von Brenners Parkhotel. Auch Educationprojekte wie eine Kinderfassung der „Zauberflöte“ und die von Musikstudenten realisierte Oper „Cendrillon“ (Aschenputtel) von Pauline Viardot, in deren Baden-Badener Salon im 19. Jahrhundert Persönlichkeiten wie Clara Schumann, Johannes Brahms, Franz Liszt und Richard Wagner verkehrten, sind Bestandteil des zehntägigen Programms. „Wir möchten exklusiv sein, aber nicht elitär“, gibt Intendant Andreas Mölich-Zebhauser das Motto vor. Und verkündet, dass es auch zu den großen Symphoniekonzerten mit Mahlers Zweiter, Bruckners Neunter oder dem von Andris Nelsons dirigierten Konzert mit Debussys „La Mer“ und Brahms’ Violinkonzert (Solist: Maxim Vengerov) Jugendtickets zum Preis von 10 Euro geben wird.
Programm und Tickets unter www.osterfestspiele.de
Georg Rudiger

Peter Hauck, o.T., Holz - farbig gefasst, 93cm (2011)

Der Mann verblüfft immer wieder durch Technik und Handwerklichkeit. Und eine (seit der Antike) formulierte Grundaufgabe der Bildhauerei, die Frage der Ansichtigkeit von Skulptur, traktiert er geradezu meisterlich. Peter Hauck schickt uns heute drei Blicke auf dieselbe Figur. Und sie stammt, samt des Sockels, auf dem sie so exzentrisch und beinahe schwebend steht und dessen sie deshalb kaum zu bedürfen scheint, tatsächlich aus ein und demselben Baumstamm. Durch die Arbeit des Sägens, Stemmens, Brechens und Ritzens entstanden zwei Formen in der Vertikalen: An die türkis-blaue mächtigere, sich elegant windende Einheit mit aufgebrochenem Rücken schmiegt sich die schmälere Hülle, deren Weiß das feminine Geschlecht andeutet.
Peter Hauck stellt seit 1985 aus. Aktuelle Arbeiten sind noch bis 13. Mai zu sehen im Kunstverein Schallstadt (Am Käppele 2 / Sa 15–17 Uhr, So 11–15 Uhr, Mi 15–17 Uhr).

Preisträgerin Nora Bossong

Manche Aufstiege sind traumhaft. Mit zwei Romanen und einem ersten Gedichtband hatte die 1982 in Bremen geborene Nora Bossong sich schon zuvor einen festen Platz in der deutschen Gegenwartsliteratur erschrieben. Nun erhält die Autorin bereits für ihren zweiten Gedichtband, der im letzten Jahr unter dem Titel „Sommer vor den Mauern“ erschien, den angesehenen Peter-Huchel-Preis, die höchste Auszeichnung für zeitgenössische deutschsprachige Lyrik.
Nora Bossong beweist, dass man heute noch lesbare und verständliche Gedichte auf höchsten Niveau schreiben kann, ohne die poetische Sprache durch zuviel Mitteilsamkeit zu verraten. Wie in ihren Romanen rückt Nora Bossong auch in ihren Gedichten einerseits die Geschichte, andererseits gegenwärtige Erfahrungen und biographische Erinnerungen ins Blickfeld ihrer sprachlichen Erkundungen.
Es ist ein schmaler Grad zwischen Vergangenheit und Gegenwart, der zu verwunschenen Zonen führt. Oder in ein „Revolutionäres Idyll“, wie ein kleines Gedicht heißt: „Ich sah sie: Fünf Schafe, kein Schäfer, / die Freiheit kroch ihnen unters Fell. /Ein Zittern ging durch ihre Glieder, / ihr Wölkchenhaar, durch ihren Blick: / Da war das Watt. Und soviel Watt. / Ein endlos aus Watt gemachtes Watt. / Sie senkten die Köpfe und rissen / Gras.“ Viel gewinnt Nora Bossong ihrer Heimat, der norddeutschen Provinz ab, „dieser flachen Gegend – und alles protestantisch“. Immer die Enge, die Verkrustungen aufbrechend, Überraschendes zutage fördernd, Entdeckungen machend inmitten des Gewöhnlichen. Manchmal genügt ein Vers, um die Brüchigkeit und Gefährdung einer Idylle nachhaltig zu veranschaulichen: „In den Garten kroch ein Industriegebiet“. Das wird auf einen Schlag spürbar. Wie „diese Sucht nach Geräuschen, Türenschlagen / das Schreien einer Katze, des Rostes“. So in dem Gedicht „Klosterjahr“, entstanden während einer ihren vielen, mehr oder minder ertragreichen Stipendienaufenthalte, die in ihrem preisgekrönten Gedichtband Niederschlag fanden.
Die besten Gedichte von Nora Bossong bilden nicht ab, sondern brechen Wirklichkeit auf, zeigen Versprengtes. Sie können wie hingeworfene Brocken der Wahrnehmung erscheinen oder auch phantasmagorisch-unheimliche Züge annehmen. Wie in dem Gedicht „Sprengstück“: „Dann, eines Nachts, jemand flüsterte, / jemand flüsterte mir ein Schlaflied, / sah ich sie, sah ich / ein Gesicht. Hilflos, fast harmlos / kroch es aus dem Schatten des Flurs / ohne Pudergeruch, ohne Parfüm, / eine verwitterte Miene.“ „Seitab“ lautet ein weiterer programmatischer Titel, umstandslos erzählerisch, wie es häufiger vorkommt, setzt das Gedicht ein: „Zwei Männer im März schleppen Latten / zum Festzelt am Rand des verfallenen Guts. / Es sind Hunde hier, überall Hundegebell / und ein Spielfeld, Himmel und Hölle, / doch nur ein Kind mit Bronzebrüsten, / nur eine Statue dreht sich seitab. / Das Altlaub in den Bäumen vergessen, / eine weiße Tüte weht an einem Ast, / jemand, der fort ist, kapitulierte / vor jemandem, den es hier nie gab. / Lange wird man auf April warten / und auf einen dritten Mann. Der erste zieht / seine Mütze vom Kopf, dann ein Lachen / über soviel Provinz.“
Bossongs Gedichte beinhalten oft skizzierte Geschichten und Alltagsszenen, Portraits von Menschen und Konzentrate der Erinnerung, in denen ganze Romane sich andeuten können, jedoch nichts auserzählt wird, alles schön in der Schwebe bleibt. Die überwiegende formale Anspruchslosigkeit und Leichthändigkeit der zumeist kurzen Gedichte täuscht, denn es sind bei näherer Betrachtung allesamt streng und genauestens durchkomponierte poetische Textgefüge, die dann am besten sind, wenn man vom Bemühen ums Wort nichts mehr bemerkt. Manchmal schlüpft zuviel in die kleinen Gedichteinheiten hinein, Bildungsballast, lose Bewusstseins- und Gedächtnissplitter, ein Zuviel an Eindrücken und Reflexionen. Einprägsamer und nachhaltiger in der Wirkung sind ihre nicht zu offensichtlich auf Komplexität angelegten Gedichte. „Frischlinge“ heißt eines davon: „Es seien Frischlinge verschwunden, / man habe nahe einer Feuerstelle / ihre zernagten Reste gefunden, / erzählte mein Großvater mir, / ehe sein Hirn ihm die Sprache / wegschlug. Er lief ihr nach.“ Der Sprache nachlaufen müssen: lapidarer lassen sich das Grauen und der Schmerz des Sprach- und Gedächtnisverlusts kaum ausdrücken.
Dürfen Gedichte noch berühren? Sie dürfen es, wenn sie so einfach und gut, so unsentimental und prägnant sind wie das oben zitierte. Nora Bossong hat das Glück, der Sprache nicht nachlaufen zu müssen, sie scheint ihr oft zuzufliegen. Eine versteckte Antwort auf die Frage nach dem „lyrischen Ich“, eine Antwort, die schöner nicht sein könnte, findet sich in dem Gedicht „Natur“: „Ich wünsche mir eine Windmaschine / um einmal nicht mehr ich selbst zu sein…“
Verleihung des Peter-Huchel-Preises: 3.April, Staufen.
Nora Bossong: Sommer vor den Mauern, Gedicht. Carl Hanser Verlag, München 2011. 96 Seiten, 14,90 Euro.
Peter Frömmig

Heike Vollmer, Sebastian Reich und Otto Beckmann

Vom Fenster aus sieht man die Golden Gate Bridge. Ansonsten sind die Aussichten eher trüb: die USA sind korrupt, der Vietnamkrieg kostet vielen Menschen das Leben. Andy Hobart und Norman Cornell, seit neun Jahren dicke Freunde, haben sich vorgenommen, dagegen anzuschreiben. „Fall out“ heißt ihr Magazin, es wartet noch auf den großen Durchbruch. Klingelt das Telefon, ist es ein Gläubiger oder die Vermieterin. Um diese bei Laune zu halten, schließlich bekommt auch sie noch Geld, gibt Andy ihren persönlichen Escourtservice. Stundenlang geht er mit ihr Tanzen, auf Cocktailpartys und an den Strand. Mag es in San Francisco in den 1960er Jahren eher lässig zugegangen sein, bei Andy und Norman wird hart gearbeitet. Norman ist unter verschiedenen Pseudonymen für die Texte verantwortlich, Andy für die Gläubiger. Bis Sophie Rauschmeyer in das Haus einzieht, ist das Gleichgewicht zwar prekär, aber doch vorhanden.
Als 1966 Neil Simons Stück „Ein Mädchen wie das Sternenbanner“ in New York uraufgeführt wurde, war noch nicht einmal das Jahr angebrochen, das der Zeit seinen Stempel aufdrücken sollte. Heute wirken die Plakate von Michelangelo Antonionis Film „Blow up“, von Malcom X, die bunte Häkeldecke oder die Platte von Simon & Garfunkel im Regal durch und durch nostalgisch (Bühne: Nicole Haas).
Die Geschichte um diese drei von Grund auf unterschiedlichen Menschen, die nun vom Hausherren Jörg Nadeschdin kurzweilig inszeniert wurde, baut ganz auf die Vorstellungen eines guten Amerikas und eines naiven Nationalismus. Mag sein, dass dies dann wiederum doch nicht so nostalgisch ist. Sophie (Heike Vollmer), Schwimmlehrerein beim Verein für christliche junge Mädchen, deren Werte Sport, Sauberkeit, Gottesfurcht und eben Amerika lauten, verdreht Norman (Sebastian Reich) derart den Kopf, dass er keine Zeile mehr schreiben kann, dafür auf die abstruseste Weise seine Liebe bezeugt.
Sophie, eher handfest denn sonderlich feinsinnig, wird das alles zuviel. Und als sie auch noch ihren Job wegen Normans Nachstellungen verliert und auch die nächste Ausgabe zu platzen droht, muss eine pragmatische Lösung her. Dafür ist dann Andy (Otto Beckmann) verantwortlich.
„Ein Mädchen wie das Sternenbanner“ arbeitet mit den genremäßigen Klischees. Das Südstaatenmädel trägt unentwegt Kleidung mit USA-Aufdruck und ist eine wirkliche Landpomeranze, die beiden jungen Männer sind verkopft und dies obwohl die Liebe hier durch die Nase gehen wird. Oftmals geben sich die beiden Männer als ordentliche Phrasendrescher und doch sind in dieser Inszenierung liebenswerte Figuren mit Ecken und Kanten zu sehen. Der eine intellektueller als der andere, der andere cleverer als der eine und die eine dann doch nicht so doof wie es auf den ersten Blick scheint. Das kann eine gute Liebes-Arbeits-Gemeinschaft ergeben.
Weitere Vorstellungen: bis 11. Juni in der Komödie der Altstadt in Freiburg tägl. außer dienstags. Infos und Karten: www.komoedie-der-altstadt.de oder Tel. 0761/28537315.AH

Le Corbusier: "Guitare verticale"(Erste Fassung), 1920

Beide debütieren in La Chaux-de-Fonds im Schweizer Jura, von 1904 bis 1909 besuchten sie in der dortigen Kunstgewerbeschule den Unterricht von Charles L’Éplattenier (1874-1946), einem modernen Vertreter des Jugendstils: Le Corbusier (1887-1965), alias Charles-Édouard Jeanneret, Architekt, Designer, Maler, Gesamtkünstler, und André Évard, Maler (1876-1972).
Als Schüler von Charles L’Éplattenier entwickelten sie eine spezifische Ausprägung des Jugendstils, Naturformen wurden geometrisch reduziert und zu Ornamenten stilisiert. Einige Ergebnisse kamen zur Anwendung, als Le Corbusier 1905/06 in La Chaux-de-Fonds ein erstes Haus erbaute, die Villa Fallet; André Évard wirkte mit. Gemeinsam war den Studienfreunden auch die Auseinandersetzung mit dem Gedankengut des Künstlers und Sozialreformers John Ruskin; sie gelangten zur konstruktiven Moderne, wenn auch mit eklatant divergierenden Resultaten. Dies zeigt die Ausstellung in der Kunsthalle Messmer, teils chronologisch nach Jahrzehnten, teils dialogisch konzipiert – anhand hervorragender Exponate.
Le Corbusier siedelte sich 1917 in Paris an, entfernte sich vom Jugendstil, öffnete sich für Architektur, Design und Bauhausgedanken. Mit Amédée Ozenfant verfasst er das Manifest „Après le Cubisme“ und gründet die Zeitschrift „L‘Esprit Nouveau“ (hier nennt er sich erstmals Le Corbusier). Der Purismus löse den Kubismus ab, heißt es dort programmatisch, das Dekorative sei zugunsten elementarer geometrischer Formen abzulehnen. Dafür steht etwa Le Corbusiers Bild „Guitare verticale“ (1920); zudem exemplifizieren zwei Holzplastiken aus den 1940er Jahren („Ozon“, „La cathédrale“) die neue Sicht. In der Ausstellung wird auch die berühmte Chaiselongue LC4 (1928) gezeigt; desweiteren Skizzen zur Kapelle von Ronchamps und zur Weißenhofsiedlung in Stuttgart, Architekturmodelle (teilweise bekanntlich sehr umstritten) sowie verschiedene Zeichnungen.
Ihre Wege waren rasch auseinander gegangen, obwohl sich auch André Évard zwischen 1923 und 1931 oft in Paris aufhielt, er lernte Braque, Delaunay und van Doesburg kennen. In dieser Zeit entstand seine „Rosenserie“, die eine Rose als serielles Stillleben behandelt, wobei sukzessive vom naturhaft gesehenen Gegenstand abstrahiert wird, bis hin zur konstruktivistischen Darstellung. Einige dieser Arbeiten wurden im Salon des Indépendants und im Salon d’Automne (1925-1931) ausgestellt. Postulate von Suprematismus und De Stijl, die in Évards Kunst einflossen, blieben Jahrzehnte wirksam; sehr ansprechend sind die frühen Miniaturen. All dies ergibt eine beeindruckende Schau. Viele Zusammenhänge erhellt zudem ein exzellentes Begleitheft.
kunsthalle messmer, Grossherzog-Leopold-Platz 1, Riegel. www.messmerfoundation.com. Geöffnet: Di-So 11-17 Uhr. Öffentl. Führungen jew. 2. Mi. im Monat um 17.15 Uhr. Bis 26. August.
Cornelia Frenkel